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2025.08.13 WED 9PM (수요일 저녁 9시)

Radio Endless : 

A Jazz Blueprint for Fall

— 가을을 기다리는 17곡의 재즈 구조도

안녕하세요. 하노아라고 합니다. 일본에서 태어나 자란 고등학생으로, 유포니엄과 트롬본을 연주하며 재즈를 더 깊이 배우고 있습니다. 틸트의 마스터이신 삼촌의 부탁을 받아, 제가 가장 좋아하는 계절, 가을을 주제로 플레이리스트를 만들었습니다.

첫 곡이 그리는 풍경은 뉴욕이었습니다. 가족과 여행 중, 잠시 머문 카페 창밖으로 바람이 불고 낙엽이 흩날렸습니다. 그때 느낀 재즈의 온도와 공기를 이번 리스트에 담았습니다.

많은 사람들이 색소폰이나 트럼펫처럼 앞에서 리드하는 악기를 먼저 떠올리지만, 저는 곡의 온도와 구조를 다잡아주는 소리를 더 좋아합니다.

트롬본, 콘트라베이스 같은 악기들이에요. 연주자 입장에서 들어보면, 이 소리들이야말로 곡 전체를 묶어주는 진짜 축 같습니다.

꼭 그 풍경이 뉴욕일 필요는 없습니다. 조용히 앉아 쉴 수 있는 시간과 창밖의 공기를 느낄 수 있는 자리라면 어디든 좋습니다. 그런 순간이야말로 곡을 더 깊게 들을 수 있는 때라고 생각합니다.

여름이 끝나갈 무렵, 이 음악들이 여러분에게도 계절을 천천히 걸어가는 기분을 줄 수 있으면 좋겠습니다.

Curated & Photos by Guest Listner,

하노아

1. Wayne Shorter – Yes or No [1965]

2. Benjamin Henocq, Sylvain Romano, Max Ionata – Parker 51 [2016]

3. Clifford Brown & Max Roach – Joy Spring [1954]

4. Count Basie – Orange Sherbert [1975]

5. Duke Ellington – Take the “A” Train [1939]

6. Bill Evans – On Green Dolphin Street [1975]

7. Glen Gray – Sunrise Serenade [1939]

8. New York Unit - Smoke Gets in Your Eyes [1992]

9. Sonny Rollins – In a Sentimental Mood [1956]

10. Baptiste Herbin – Scene on Seine [2020]

11. Tommy Flanagan – In the Blue of the Evening [1956]

12. Louis Armstrong – On the Sunny Side of the Street [1934]

13. Art Blakey & The Jazz Messengers – Moanin’ [1959]

14. Bill Evans Trio – Autumn Leaves [1960]

15. Fred Hersch – Lotus Blossom [1996]

16. Chet Baker – Tenderly [1955]

17. Dave Brubeck Quartet – Take Five [1959]

*About #Tilt_Radio_Endless 011 :

매주 수·목 저녁 9시, 틸트에서 열리는 청취 프로그램입니다.

익숙한 감정과 누군가의 기억, 느슨하게 흐르는 감각들로 하나의 시간이 천천히 이어집니다. 틸트가 직접, 혹은 게스트 큐레이터와 함께 만들어갑니다.

Radio Endless:

A Jazz Blueprint for Fall
— A 17-track guide to awaiting autumn

Hello. My name is Noah Ha. I'm a high school student born and raised in Japan, and I'm delving deeper into jazz while playing the euphonium and trombone. At the request of my uncle, the master at Tilt, I’ve created a playlist with the theme of my favorite season, autumn.

The first song paints a picture of New York. During a family trip, I was sitting in a café when the wind blew and leaves scattered outside the window. I tried to capture the temperature and atmosphere of the jazz I felt at that moment in this list.

Many people first think of lead instruments like the saxophone or trumpet, but I prefer the sounds that establish the song's temperature and structure.

Instruments like the trombone and contrabass. From a performer's perspective, these sounds feel like the real axis that holds the entire piece together.

It doesn't have to be that exact New York scenery. Any place where you can sit quietly and feel the air outside the window is perfect. I believe those are the moments when you can listen to a song more deeply.

As summer comes to a close, I hope this music can give you the feeling of slowly walking into the new season.

Curated & Photos by Guest Listener,

Noah Ha

*About #Tilt_Radio_Endless 011 :

This is a listening program held at Tilt every Wednesday and Thursday at 9 PM. A single hour unfolds slowly with familiar emotions, someone's memories, and loosely flowing senses. It is curated directly by Tilt or together with a guest curator.

Peter Rehberg - Work for GV 2004–2008 [2009]
— 소음의 연출, 신체의 서사

피터 레버그(Peter Rehberg)는 노이즈와 글리치, 실험 전자음악의 경계를 확장한 사운드 아티스트이자, 음향을 통해 인간 심리의 깊은 단면과 신체의 내면적 긴장을 직조해온 음향 연출가입니다.

본 앨범 Work for GV 2004–2008은 프랑스-오스트리아 연출가 지젤 비엔(Gisèle Vienne)과의 협업을 집대성한 기록으로, 공연 I Apologize, Une belle enfant blonde, Jerk를 위해 작곡된 곡들을 중심으로 구성되어 있습니다.

이 작업들에서 레버그의 사운드는 무대 위 인물의 내면을 구축하고 관객의 신경계를 직접적으로 자극하는 극적 장치(dramaturgical element)로 기능합니다.

날카로운 고주파, 깊은 저역의 드론, 침묵의 간극, 기계적 불협은 감정의 결을 세밀하게 드러내며, 소리를 통해 폭력과 불안, 잔혹성과 애도의 정서를 청각적으로 번역합니다.

그의 소리는 우연한 소음이 아닌, 무대 위의 보이지 않는 심리와 신체를 청취 가능한 형태로 구성해낸 하나의 언어입니다.

따라서 이 앨범은 청취자를 불편하게 하거나 자극하는 대신, 극적 상황에 내재된 감정의 밀도와 심리적 파열음을 고요히 전이시킵니다.

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Tilt에서의 청취 제안

8월, Tilt는 ‘감각의 구조’를 세 개의 키워드 ‘인프라신, 서브라임, 시뮬라크르’로 나누어 탐색합니다.

Peter Rehberg의 Work for GV 2004–2008은, 지젤 비엔과의 협업을 통해 제작된 음반으로, 소리가 무대 밖 정서와 심리 구조를 어떻게 구축할 수 있는지를 실험합니다.

청취자는 음악의 흐름이 아닌, 파편적 고주파와 침묵, 진동의 여운을 따라 감각의 경계에 머무는 경험을 하게 됩니다. Tilt는 이 작업이 감각의 인식 이전, 그 문턱에 놓인 상태를 사유할 수 있는 하나의 가능성이 되기를 바랍니다.

#Infrathin_Reveries

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Peter Rehberg :
Work for GV 2004–2008
발매일: 2008년 10월 31일
총 8곡, 55분

1. Murder Version
2. ML6
3. Slow Investigation
4. Black Holes
5. Pia
6. ML3
7. Boxes & Angels
8. Final Jerk

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#Tilt_Phonic_Cycle

현재 소개되는 앨범들은 Tilt 8월 테마 기간 중, 공간 내 사운드 큐레이션 프로그램인 포닉 사이클의 흐름 안에서 순차적으로 재생되고 있습니다. 청취는 시간마다 매일 다르게 배치되며, 매일 새로운 감각적 경험으로 이어집니다.

Peter Rehberg - Work for GV 2004–2008
— The Direction of Noise, The Narrative of the Body

Peter Rehberg was a sound artist who expanded the boundaries of noise, glitch, and experimental electronic music, and a sonic director who wove together the deep facets of human psychology and the internal tensions of the body through sound.

This album, Work for GV 2004–2008, is a comprehensive record of his collaboration with the French-Austrian director Gisèle Vienne, centered on pieces composed for the performances I Apologize, Une belle enfant blonde, and Jerk.

In these works, Rehberg's sound functions as a dramaturgical element, constructing the inner world of the characters on stage and directly stimulating the audience's nervous system.

Sharp high frequencies, deep low-end drones, gaps of silence, and mechanical dissonance meticulously reveal the texture of emotion, aurally translating sentiments of violence, anxiety, cruelty, and mourning through sound.

His sound is not accidental noise but a language that constitutes the invisible psychology and physicality on stage into an audible form.

Therefore, instead of merely unsettling or provoking the listener, this album quietly transfers the density of emotion and the psychological ruptures inherent in the dramatic situations.

A Listening Proposal from Tilt

In August, Tilt explores the "Structure of Sensation" through three keywords: "Infrathin," "Sublime," and "Simulacra."

Peter Rehberg's Work for GV 2004–2008, an album produced through his collaboration with Gisèle Vienne, experiments with how sound can construct emotional and psychological structures outside of the stage.

The listener experiences dwelling at the boundary of sensation, following not a musical flow but fragmented high frequencies, silence, and the afterglow of vibrations. Tilt hopes this work becomes a possibility for contemplating the state that lies at the threshold, before the perception of sensation.

#Infrathin_Reveries

Peter Rehberg:
Work for GV 2004–2008
Release Date: October 31, 2008
8 tracks, 55 minutes

1. Murder Version
2. ML6
3. Slow Investigation
4. Black Holes
5. Pia
6. ML3
7. Boxes & Angels
8. Final Jerk

#Tilt_Phonic_Cycle

The albums currently being introduced are played sequentially within the Phonic Cycle, a sound curation program in our space, during Tilt's August theme period. The listening experience is arranged differently each day at every hour, leading to a new sensory experience daily.

Lisa Lerkenfeldt – Collagen [2020]
— 숨겨진 공명, 감각의 가장 여린 진동

호주 멜버른을 기반으로 활동하는 작곡가이자 사운드 아티스트 리사 레르켄펠트(Lisa Lerkenfeldt)는, ‘듣기’의 조건 자체를 예술의 중심에 둡니다. 그녀에게 청취란 세계를 재배치하고 일상의 표면 아래에 잠재된 감각의 지형을 드러내는 사유적 실천입니다.

그녀의 작업은 아날로그 테이프, 복숭아나무 빗, 현악기, 피아노, 피드백 등 일상과 기술, 물성과 개입 사이를 유영하며, 감각의 틈에서 새로운 음향 질서를 구축합니다.

정규 데뷔작 ‘Collagen’은 이러한 미학이 가장 정제된 형태로 수렴된 결과입니다. 물리적으로 편집된 테이프 루프, 반복과 재구성, 일상적 제스처로부터 파생된 사운드의 흔적은 하나의 악보가 되고, 음악은 서사적 구조가 아닌 표면 위에 드리운 잔상처럼 작동합니다.

이 앨범은 확고한 형식이나 명료한 전개를 의도적으로 회피합니다. 청취자는 해체된 감각의 파편 속에서 머무르며, 미세하게 떨리는 음향의 결, 그 사이를 채우는 침묵의 간극에 감응하게 됩니다.

이는 명시적으로 들리지 않는 것들로부터 울려오는 ‘숨겨진 공명’의 청취이자, 비가시적 감각의 조건을 다시 구성해나가는 조용한 제안입니다.

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Tilt에서의 청취 제안

8월, Tilt는 ‘감각의 구조’를 세 개의 키워드 ‘인프라신, 서브라임, 시뮬라크르’로 나누어 탐색합니다.

Lisa Lerkenfeldt의 Collagen은 감각과 무감각 사이의 가장 미세한 경계에서 작동하는 ‘인프라신’의 층위로 조명됩니다. 이는 하나의 구조적 음향 환경이며, 청취는 그 안에서 반응하는 몸의 작은 진동, 기억의 지연, 존재의 미묘한 흔들림으로 나타납니다.

감정이 아니라 감각 그 자체를 다루는 음악.
들리는 것 너머에서, Collagen은 들리지 않던 공명을 불러옵니다.

#Infrathin_Reveries

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Lisa Lerkenfeldt – Collagen
발매일: 2020년 8월 21일
총 6곡, 36분

1. In Her Hair
2. Collagen
3. Gates Of Desire
4. Music For Three Combs
5. The Weight Of History
6. Champagne Smoke

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#Tilt_Phonic_Cycle

현재 소개되는 앨범들은 Tilt 8월 테마 기간 중, 공간 내 사운드 큐레이션 프로그램인 포닉 사이클의 흐름 안에서 순차적으로 재생되고 있습니다. 청취는 시간마다 매일 다르게 배치되며, 매일 새로운 감각적 경험으로 이어집니다.

Lisa Lerkenfeldt – Collagen
— Hidden Resonance, the Most Delicate Vibration of Sensation

Based in Melbourne, Australia, composer and sound artist Lisa Lerkenfeldt places the very condition of 'listening' at the center of her art. For her, listening is a contemplative practice that rearranges the world and reveals the sensory topography latent beneath the surface of everyday life.

Her work drifts between the everyday and technology, materiality and intervention—using analog tape, peachwood combs, string instruments, piano, and feedback—to construct a new sonic order in the fissures of sensation.

Her official debut album, Collagen, is the result of this aesthetic converging in its most refined form. Physically edited tape loops, repetition and reconstruction, and the traces of sound derived from everyday gestures become a kind of musical score, and the music functions not as a narrative structure but as an afterimage lingering on a surface.

This album intentionally avoids firm formats or clear progressions. The listener is invited to dwell within the fragments of deconstructed sensation, attuning to the texture of minutely trembling sounds and the silent gaps that fill the space between them.

This is a listening for a "hidden resonance" that emanates from things not explicitly heard, and a quiet proposal to reconfigure the conditions of non-visual sensation.

A Listening Proposal from Tilt

In August, Tilt explores the "Structure of Sensation" through three keywords: "Infrathin," "Sublime," and "Simulacra."

Lisa Lerkenfeldt's Collagen is illuminated as a layer of "infrathin," operating at the finest boundary between sensation and non-sensation. It is a structural sonic environment, and listening manifests within it as the small vibrations of a responding body, the delay of memory, and the subtle tremor of existence.

Music that deals not with emotion, but with sensation itself.

From beyond what is heard, Collagen summons a resonance that was previously unheard.

#Infrathin_Reveries

Lisa Lerkenfeldt – Collagen
Release Date: August 21, 2020
6 tracks, 36 minutes

1. In Her Hair
2. Collagen
3. Gates Of Desire
4. Music For Three Combs
5. The Weight Of History
6. Champagne Smoke

#Tilt_Phonic_Cycle

The albums currently being introduced are played sequentially within the Phonic Cycle, a sound curation program in our space, during Tilt's August theme period. The listening experience is arranged differently each day at every hour, leading to a new sensory experience daily.

Suum Cuique – Ascetic Ideals [2012]
— 기계의 숨소리, 질서와 붕괴의 경계

‘각자에게 그의 몫을’이라는 라틴어 문장을 이름으로 삼은 Suum Cuique(수움 쿠우쿠)는 마일스 휘태커(Miles Whittaker)의 개인 프로젝트입니다. 이 이름은 프로듀서로서의 정체성과 실천을 가감 없이 드러내는 선언에 가깝습니다.

컴퓨터, 시퀀서, MIDI, 그리고 모든 동기화 장치를 거부하며, 아날로그 장비와의 물리적 접촉만으로 만들어진 이 음반은 음악이라기보다 한 편의 오디오 실험에 가깝습니다. 오작동하는 테크노, 포탄처럼 터지는 음향의 공백, 불협화음의 밀도 높은 질감. 마일스 휘태커는 이 모든 ‘결함’을 의도적 구조로 전환합니다.

Ascetic Ideals는 드럼머신과 신디사이저가 자동적으로 생성하는 불완전한 사운드를 그대로 수용하며, 편집 없는 실시간 믹싱, 때로는 의도하지 않은 우연까지 모두 수렴합니다. 이는 제작자의 개입이 최소화된 상태에서 기계가 스스로 ‘소리의 깊은 어둠’을 드러내도록 허락하는 작업입니다.

앨범의 음향은 마치 깊은 지하의 저장고, 드러나지 않던 본능의 층위에서 흘러나오는 숨결처럼 무겁고 건조하며, 익숙한 음악적 구조를 완전히 거부합니다. 완결을 유보한 채, 그저 사운드라는 사건이 감각 위를 지나가도록 방치합니다.

청취자는 이 앨범에서 감각의 가장 거친 표면과 마주합니다. Ascetic Ideals는 귀를 자극하는 것이 아니라, 그 청취 자체가 하나의 물리적 불안으로 침투되기를 요구합니다.

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Tilt에서의 청취 제안

8월, Tilt는 ‘감각의 구조’를 세 개의 키워드 ‘인프라신, 서브라임, 시뮬라크르’로 나누어 탐색합니다.

Suum Cuique의 Ascetic Ideals는 음악이라는 완성된 구조를 거부하고, 청취자가 ‘소리의 경계선’에 머무는 경험으로 이끕니다.

이제 음악은 더 이상 형태를 갖춘 예술이 아닌, 기계와 공간 사이에서 자율적으로 발생하는 하나의 사건으로, 청취는 그 사건에 감각적으로 반응하는 실천으로 전환됩니다.

#Infrathin_Reveries

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Suum Cuique – Ascetic Ideals
발매일: 2012년 5월 2일
총 8곡, 45분

1. Strohtopf
2. Kuiper Anomaly
3. Atlas Levels
4. Core Value
5. Intonation
6. Deus Ex Machina
7. Proton Aesthetic
8. Dionysus Decay

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#Tilt_Phonic_Cycle

현재 소개되는 앨범들은 Tilt 8월 테마 기간 중, 공간 내 사운드 큐레이션 프로그램인 포닉 사이클의 흐름 안에서 순차적으로 재생되고 있습니다. 청취는 시간마다 매일 다르게 배치되며, 매일 새로운 감각적 경험으로 이어집니다.

Suum Cuique – Ascetic Ideals
— The Machine's Breath, the Boundary of Order and Collapse

Suum Cuique, a Latin phrase meaning "to each his own," is the solo project of Miles Whittaker. The name is akin to a declaration, unapologetically revealing his identity and practice as a producer.

Rejecting computers, sequencers, MIDI, and all synchronization devices, this record, created solely through physical contact with analog equipment, is less music and more an audio experiment. Malfunctioning techno, sonic voids that explode like cannonballs, the dense texture of dissonance—Miles Whittaker transforms all these "flaws" into an intentional structure.

Ascetic Ideals embraces the imperfect sounds automatically generated by drum machines and synthesizers, incorporating unedited real-time mixing and even unintended accidents. It is a process that allows the machine itself to reveal the "deep darkness of sound" with minimal intervention from the creator.

The album's sound is heavy and dry, like a breath flowing from a deep underground storage vault, from a layer of previously unrevealed instinct, completely rejecting familiar musical structures. It suspends completion, simply allowing the event of sound to pass over the senses.

On this album, the listener confronts the roughest surface of sensation. Ascetic Ideals does not aim to stimulate the ear, but demands that the act of listening itself permeates as a form of physical unease.

A Listening Proposal from Tilt

In August, Tilt explores the "Structure of Sensation" through three keywords: "Infrathin," "Sublime," and "Simulacra."

Suum Cuique's Ascetic Ideals rejects the finished structure of music and leads the listener to an experience of dwelling on the "borderline of sound."

Here, music is no longer an art form with a defined shape, but an event that autonomously occurs between machine and space. Listening is transformed into a practice of sensorially responding to that event.

#Infrathin_Reveries

Suum Cuique – Ascetic Ideals
Release Date: May 2, 2012
8 tracks, 45 minutes

1. Strohtopf
2. Kuiper Anomaly
3. Atlas Levels
4. Core Value
5. Intonation
6. Deus Ex Machina
7. Proton Aesthetic
8. Dionysus Decay

#Tilt_Phonic_Cycle

The albums currently being introduced are played sequentially within the Phonic Cycle, a sound curation program in our space, during Tilt's August theme period. The listening experience is arranged differently each day at every hour, leading to a new sensory experience daily.

Else Marie Pade & Jacob Kirkegaard - SVÆVNINGER [2013]
— 감각의 내면, 소리의 미지로 향하는 진동

‘SVÆVNINGER(스베브닝어)’는 50년 이상의 시간차를 둔 두 덴마크 사운드 아티스트, 엘스 마리 파데(Else Marie Pade)와 야콥 키르케고르(Jacob Kirkegaard)의 협업으로 탄생한 사운드 드로잉입니다. 파데는 1950년대 뮤직 콩크리트의 영향을 받은 덴마크 전자음악의 선구자이며, 키르케고르는 인간의 귓속, 체르노빌의 폐허, 지하수계 등 감각의 경계를 넘나드는 소리를 탐색해온 현대 사운드 아티스트입니다.

SVÆVNINGER(스베브닝어)는 덴마크어로 ‘맥놀이’, 즉 두 주파수가 충돌할 때 발생하는 미세한 비트 간섭을 뜻합니다. 이 앨범은 파데의 아카이브에서 발굴된 미공개 사운드 실험들과 키르케고르가 자신의 청각 기관에서 직접 채집한 자발적 이음향 방출(OAE)을 조합해 만들어졌으며, 기계와 신체, 과거와 현재, 외부와 내부를 잇는 청각적 통로로 기능합니다.

청취자는 더 이상 외부의 사운드를 ‘듣는’ 존재가 아니라, 자신의 귀 자체가 공명체이자 새로운 소리를 생성하는 장치로 작동하게 됩니다. 긴장감 있게 지속되는 두 음 사이의 미세한 높낮이 차이는, 감지와 착각, 물리와 심리를 가로지르며 신체 내부에서 제3의 소리를 만들어냅니다.

이 앨범은 완결된 이야기를 제공하지 않습니다. 오히려 불완전함을 유지함으로써 상상력을 열어두고, 청취자 스스로가 그 빈 공간에 의미를 투사하게 합니다. 그것은 청취의 가장 내밀한 메커니즘에 질문을 던지는 사운드의 실험실입니다.

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Tilt에서의 청취 제안

8월, Tilt는 ‘감각의 구조’를 세 개의 키워드 ‘인프라신, 서브라임, 시뮬라크르’로 나누어 탐색합니다.

SVÆVNINGER 는 우리가 인식하지 못한 채 통과해온 미세한 진동, 감각의 틈새에서 울리는 음향을 조명합니다. 소리는 더 이상 외부의 자극이 아니라 내부에서 발생하는 사건, 그리고 신체와 청각 사이의 인프라신적인 간극에서 생성되는 새로운 경험으로 작동합니다.

Tilt는 이 청취를 통해, 우리가 무엇을 듣고 있으며, 또 그 듣기라는 행위가 우리 안에서 어떻게 작동하는지를 다시 질문합니다.

#Infrathin_Reveries

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Else Marie Pade & Jacob Kirkegaard – SVÆVNINGER
발매일: 2013년 5월 28일
총 7곡, 약 54분

1. Cirrocumulus
2. Cirrostratus
3. Stratus
4. Altocumulus
5. Cumulonimbus
6. Nimbostratus
7. Bortdragende Regnskyer

*Cirrocumulus : 권적운

높은 하늘에 떠 있는 작은 구름 조각들

*Cirrostratus : 권층운
얇고 넓게 퍼진, 해나 달을 희미하게 보이게 하는 구름

*Stratus : 층운
낮은 고도에서 수평으로 퍼진 흐린 구름

*Altocumulus : 고적운
중간 고도에서 관찰되는 둥글고 하얀 구름

*Cumulonimbus : 적란운
뇌우를 동반하는 거대한 수직형 구름

*Nimbostratus : 난층운
지속적인 비나 눈을 내리게 하는 어두운 구름

*Bortdragende Regnskyer : 멀어져가는 비구름
떠나가는 비구름

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#Tilt_Phonic_Cycle

현재 소개되는 앨범들은 Tilt 8월 테마 기간 중, 공간 내 사운드 큐레이션 프로그램인 포닉 사이클의 흐름 안에서 순차적으로 재생되고 있습니다. 청취는 시간마다 매일 다르게 배치되며, 매일 새로운 감각적 경험으로 이어집니다.

Else Marie Pade & Jacob Kirkegaard - SVÆVNINGER
— The Interior of Sensation, a Vibration Towards the Unknown of Sound

SVÆVNINGER is a sound drawing born from the collaboration of two Danish sound artists separated by more than 50 years: Else Marie Pade and Jacob Kirkegaard. Pade was a pioneer of Danish electronic music, influenced by musique concrète in the 1950s, while Kirkegaard is a contemporary sound artist who has explored sounds that traverse the boundaries of sensation, from inside the human ear to the ruins of Chernobyl and subterranean water systems.

SVÆVNINGER is the Danish word for "beatings," the subtle interference that occurs when two frequencies collide. The album was created by combining unreleased sound experiments unearthed from Pade's archives with Kirkegaard's own recordings of "otoacoustic emissions" (OAE) captured directly from his auditory organs. It functions as an auditory passage connecting machine and body, past and present, exterior and interior.

The listener is no longer a being who simply "hears" external sounds; their own ear becomes a resonator, a device that generates new sound. The minute pitch difference between two sustained, tense tones crosses the line between perception and illusion, physics and psychology, creating a third sound from within the body.

This album does not offer a complete narrative. Instead, by maintaining a state of incompleteness, it opens up the imagination, allowing the listener to project their own meaning into the empty space. It is a sonic laboratory that questions the most intimate mechanisms of listening.

A Listening Proposal from Tilt

In August, Tilt explores the "Structure of Sensation" through three keywords: "Infrathin," "Sublime," and "Simulacra."

SVÆVNINGER illuminates the subtle vibrations we pass through without recognition, the acoustic phenomena that resonate in the gaps of our senses. Sound is no longer an external stimulus but an event that occurs internally, a new experience generated in the infrathin gap between the body and the auditory sense.

Through this listening experience, Tilt re-examines what we are hearing and how the act of listening itself operates within us.

#Infrathin_Reveries

Else Marie Pade & Jacob Kirkegaard – SVÆVNINGER
Release Date: May 28, 2013
7 tracks, approx. 54 minutes

1. Cirrocumulus
2. Cirrostratus
3. Stratus
4. Altocumulus
5. Cumulonimbus
6. Nimbostratus
7. Bortdragende Regnskyer

• Cirrocumulus: Small patches of cloud high in the sky.
• Cirrostratus: A thin, widespread layer of cloud that makes the sun or moon appear hazy.
• Stratus: A hazy, greyish cloud layer at a low altitude.
• Altocumulus: White, rounded cloud masses observed at mid-altitudes.
• Cumulonimbus: A dense, towering vertical cloud that brings thunderstorms.
• Nimbostratus: A dark cloud layer that brings continuous rain or snow.
• Bortdragende Regnskyer: Departing rain clouds.

#Tilt_Phonic_Cycle

The albums currently being introduced are played sequentially within the Phonic Cycle, a sound curation program in our space, during Tilt's August theme period. The listening experience is arranged differently each day at every hour, leading to a new sensory experience daily.

Roly Porter – Aftertime [2011]
— 감각의 조건, 이야기 이후의 청취

영국 브리스톨 출신의 작곡가 롤리 포터(Roly Porter)는 클럽 문화의 심장부에서 출발했지만, Aftertime을 통해 사운드의 보다 근원적인 층위로 이동합니다. 덥스텝 듀오 Vex’d(백스트)에서 체득한 압도적 음향 경험을 발판 삼아, 그는 이 데뷔 앨범에서 리듬과 서사의 틀을 해체하고, 청취 그 자체의 조건을 재구성합니다.

Aftertime은 비트의 중심을 제거한 채, 녹음된 어쿠스틱 소스를 급진적으로 변형하고 재조합해 독자적인 음향 세계를 구축하는데, 거대한 서브베이스의 압력과 금속성 마찰음, 블랙홀처럼 삼켜 들어가는 리버브는 단지 듣는 것을 넘어, 청취자의 감각을 우주의 외연으로 확장시키는 물리적 경험을 형성합니다.

앨범의 트랙명은 프랭크 허버트의 SF 서사 듄(Dune)에 등장하는 행성들에서 차용되었으나, Aftertime이 구성하는 청각적 세계는 추상적 서사보다 존재론적 사운드의 밀도에 가까운 공간입니다. 그 안에서 시간은 흐르지 않고 압축되며, 음악은 진행되지 않고 정지된 채 파동처럼 울려 퍼집니다.

이러한 극한의 환경 속에서 온데 마르테노(Ondes Martenot)의 선율이나 현악기의 잔향은 잔혹한 황량함과 서정적 아름다움이 교차하는 지점을 형성합니다. 이 충돌은 감정의 해석을 유예한 채, 청취자 스스로가 감각의 균열에서 의미를 발견하도록 이끕니다.

Aftertime은 어떤 감정도 강요하지 않으며, 어떤 이야기도 완결하지 않고, 오히려 이 음향적 구조는 질문을 남깁니다.

우리는 무엇을 듣고 있고, 그 듣기는 어디까지 확장될 수 있는가.

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Tilt에서의 청취 제안

8월, Tilt는 ‘감각의 구조’를 세 개의 키워드 ‘인프라신, 서브라임, 시뮬라크르’로 나누어 탐색합니다.

Roly Porter의 Aftertime은 감각의 가장 미세한 틈에서 작동하는 음악적 실천으로 조명됩니다. 이 앨범은 감정을 직접적으로 전달하지 않고, 의미와 감각 사이의 미묘한 진동, 정서와 물리 사이의 ‘얇은 막’을 구성합니다. 압도적인 음향 구조와 서정적인 선율의 충돌 속에서, 청취자에게 감각의 문턱에 머무는 상태로 이끕니다.

Tilt는 이 작은 진동, 사소한 떨림, 끝내 해소되지 않는 잔향 속에서 청취가 어떻게 감각의 구조로 작동하는지를 실험합니다.

Aftertime은 그 경계에 서는 행위 자체가 청취임을 상기시키는 작업입니다.

#Infrathin_Reveries

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Roly Porter – Aftertime
발매일: 2011년 9월 11일
총 11곡, 47분

1. Atar
2. Tleilax
3. Kaitain
4. Corrin
5. Al Dhanab
6. Ix
7. Hessra
8. Rossak
9. Caladan
10. Giedi Prime
11. Arrakis

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#Tilt_Phonic_Cycle

현재 소개되는 앨범들은 Tilt 8월 테마 기간 중, 공간 내 사운드 큐레이션 프로그램인 포닉 사이클의 흐름 안에서 순차적으로 재생되고 있습니다. 청취는 시간마다 매일 다르게 배치되며, 매일 새로운 감각적 경험으로 이어집니다.

Roly Porter – Aftertime
— The Condition of Sensation, Listening After the Story

Hailing from Bristol, UK, composer Roly Porter began his journey in the heart of club culture, but with Aftertime, he shifts to a more fundamental layer of sound. Building on the overwhelming sonic experiences he mastered as part of the dubstep duo Vex'd, he deconstructs the framework of rhythm and narrative in this debut album, reconfiguring the very conditions of listening itself.

Aftertime removes the centrality of the beat, instead building a unique sonic world by radically transforming and reassembling recorded acoustic sources. The immense pressure of sub-bass, metallic friction, and reverb that swallows sound like a black hole creates a physical experience that goes beyond mere listening, extending the listener's senses to the outer reaches of the cosmos.

The album's track titles are borrowed from the planets in Frank Herbert's sci-fi epic Dune, but the auditory world constructed by Aftertime is a space closer to the density of ontological sound than to an abstract narrative. Within it, time does not flow but is compressed; music does not progress but resonates like a wave while standing still.

In this extreme environment, the melodies of the Ondes Martenot or the reverberations of strings form a point of intersection between brutal desolation and lyrical beauty. This collision suspends emotional interpretation, guiding the listener to discover meaning in the fissures of sensation for themselves.

Aftertime does not impose any emotion, nor does it complete any story. Instead, this sonic structure leaves a question:

What are we listening to, and how far can that listening extend?

A Listening Proposal from Tilt

In August, Tilt explores the "Structure of Sensation" through three keywords: "Infrathin," "Sublime," and "Simulacra."

Roly Porter's Aftertime is highlighted as a musical practice that operates in the finest gaps of sensation. The album does not convey emotion directly but constructs a "thin membrane" between meaning and sensation, between emotion and physicality. Amidst the clash of overwhelming sonic structures and lyrical melodies, it leads the listener to a state of dwelling at the threshold of sensation.

Tilt experiments with how listening functions as a structure of sensation within these small vibrations, these minor tremors, these ultimately unresolved reverberations.

Aftertime is a work that reminds us that the very act of standing on that boundary is listening.

#Infrathin_Reveries

Roly Porter – Aftertime
Release Date: September 11, 2011
11 tracks, 47 minutes

1. Atar
2. Tleilax
3. Kaitain
4. Corrin
5. Al Dhanab
6. Ix
7. Hessra
8. Rossak
9. Caladan
10. Giedi Prime
11. Arrakis

#Tilt_Phonic_Cycle

The albums currently being introduced are played sequentially within the Phonic Cycle, a sound curation program in our space, during Tilt's August theme period. The listening experience is arranged differently each day at every hour, leading to a new sensory experience daily.

Kyle Bobby Dunn -
Bring Me The Head of Kyle Bobby Dunn [2012]
— 슬픔 속의 기쁨, 그리고 그 반대의 감정에 머무는 시간

카일 바비 던(Kyle Bobby Dunn)은 캐나다 출신의 작곡가이자 사운드 아티스트로, 특정 장르에 자신을 한정하지 않습니다. 그는 자신의 작업을 앰비언트나 드론으로 분류하는 시선을 피해가며, 음악을 기억과 상실, 멜랑콜리와 고독의 진동을 담은 ‘음향적 자서전(sonic autobiography)’이라 정의합니다. 이는 표면적인 배경음이 아니라, 내밀한 감정의 결을 담아낸 하나의 정서적 기록입니다.

그의 주요 악기는 일렉트릭 기타 하나지만, 루프와 중첩을 통해 만들어지는 사운드는 느리게 침강하는 지층처럼 장엄하고 섬세하게 전개됩니다. 고정된 멜로디나 구조보다는, 시간의 흐름 속에서 질감과 뉘앙스가 서서히 변화하는 감정의 풍경에 집중하는 것이 그의 방식입니다. 그의 음악은 따뜻함, 피로, 향수, 고립과 같은 일상의 정서를 말없이 건넵니다.

2012년에 발표된 ‘Bring Me The Head of Kyle Bobby Dunn’은 이러한 예술적 태도가 가장 깊고 복합적인 형태로 응축된 더블 앨범입니다. 2007년부터 2011년까지의 시간 속에서 포착된 단상들이 길고 명상적인 드론과 짧은 비네트(vignette)의 형태로 교차하며, 마치 의식의 흐름처럼 전개되는 청취의 여정을 이끕니다.

이 작업에서 시간은 선형적으로 흐르지 않습니다. 현재의 감각과 과거의 회상이 서로를 침식하며 스며들고, 기쁨과 슬픔, 평온과 불안이 이분법적으로 분리되지 않은 정서의 층위 속에서 공존합니다. “The Hungover”, “Innisfal (Rivers of My Fathers)”, “Parkland” 등의 곡들은 삶의 구체적 순간들과 감정의 잔결을 섬세하게 포착합니다.

결국 이 앨범은 완성된 서사를 전달하기보다는, 청취자 각자가 자신의 감정과 기억을 투영할 수 있는 반사면(reflective space)을 제안합니다. 가장 사적인 고백이 가장 보편적인 공감으로 확장되는 이 공간 속에서, 청취는 하나의 내면적 작용으로 재정의됩니다.

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Tilt에서의 청취 제안

8월, Tilt는 ‘감각의 구조’를 세 개의 키워드 ‘인프라신, 서브라임, 시뮬라크르’로 나누어 탐색합니다.

카일 바비 던의 음악은 감정의 ‘해결’보다 ‘머무름’에 가깝습니다. 하나의 구조보다 한 겹의 공기, 하나의 문장보다 한 호흡의 여백처럼 이 작업은 청취자가 자신의 시간과 감각을 재구성할 수 있는 공간을 조용히 열어둡니다.

#Infrathin_Reveries

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Kyle Bobby Dunn -
Bring Me The Head of Kyle Bobby Dunn

Part.1

1. Canticle of Votier’s Flats
2. La Chanson de Beurrage
3. Ending of All Odds
4. Douglas Glen Theme
5. An Evening With Dusty
6. The Hungover
7. Diamond Cove (And Its Children Were Watching)

Part.2

1. The Troubles With Tres Belles
2. Innisfal (Rivers of My Fathers)
3. The Calm Idiots of Yesterday
4. Parkland
5. Completia Terrace
6. In Search of a Poetic Whole
7. Kotylak
8. Moitie Et Moitie

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#Tilt_Phonic_Cycle

현재 소개되는 앨범들은 Tilt 8월 테마 기간 중, 공간 내 사운드 큐레이션 프로그램인 포닉 사이클의 흐름 안에서 순차적으로 재생되고 있습니다. 청취는 시간마다 매일 다르게 배치되며, 매일 새로운 감각적 경험으로 이어집니다.

Kyle Bobby Dunn -
Bring Me The Head of Kyle Bobby Dunn
— Joy in Sadness, and the Time Spent Dwelling in the Opposite Emotion

Kyle Bobby Dunn is a Canadian composer and sound artist who does not confine himself to a specific genre. He sidesteps classifications like ambient or drone, defining his work as a "sonic autobiography" that captures the vibrations of memory and loss, melancholy and solitude. It is not superficial background music, but an emotional record containing the texture of intimate feelings.

His primary instrument is a single electric guitar, but the sound, created through loops and layering, unfolds majestically and delicately, like slowly settling geological strata. His method focuses on a landscape of emotions where texture and nuance gradually change over time, rather than on fixed melodies or structures. His music wordlessly conveys everyday emotions such as warmth, fatigue, nostalgia, and isolation.

Released in 2012, Bring Me The Head of Kyle Bobby Dunn is a double album where this artistic attitude is condensed into its deepest and most complex form. Fragments captured between 2007 and 2011 are interspersed in the form of long, meditative drones and short vignettes, leading a listening journey that unfolds like a stream of consciousness.

In this work, time does not flow linearly. Present sensations and past recollections seep into and erode one another, while joy and sadness, tranquility and anxiety coexist within emotional layers that are not dichotomously separated. Tracks like "The Hungover," "Innisfal (Rivers of My Fathers)," and "Parkland" delicately capture specific moments of life and the fine ripples of emotion.

Ultimately, this album does not deliver a finished narrative but proposes a reflective space onto which each listener can project their own emotions and memories. In this space, where the most private confession extends into the most universal empathy, listening is redefined as an internal act.

A Listening Proposal from Tilt

In August, Tilt explores the "Structure of Sensation" through three keywords: "Infrathin," "Sublime," and "Simulacra."

Kyle Bobby Dunn's music is closer to "dwelling in" emotion than "resolving" it. Like a layer of air rather than a structure, like the space of a single breath rather than a sentence, this work quietly opens a space for the listener to reconstruct their own time and sensation.

#Infrathin_Reveries

Kyle Bobby Dunn:
Bring Me The Head of Kyle Bobby Dunn
Release Date: June 25, 2012
15 tracks, 2 hours 2 minutes

Part 1

1. Canticle of Votier’s Flats
2. La Chanson de Beurrage
3. Ending of All Odds
4. Douglas Glen Theme
5. An Evening With Dusty
6. The Hungover
7. Diamond Cove (And Its Children Were Watching)

Part 2

1. The Troubles With Tres Belles
2. Innisfal (Rivers of My Fathers)
3. The Calm Idiots of Yesterday
4. Parkland
5. Completia Terrace
6. In Search of a Poetic Whole
7. Kotylak
8. Moitie Et Moitie

#Tilt_Phonic_Cycle

The albums currently being introduced are played sequentially within the Phonic Cycle, a sound curation program in our space, during Tilt's August theme period. The listening experience is arranged differently each day at every hour, leading to a new sensory experience daily.

Laurel Halo – Atlas [2023]
— 실재하지 않는 장소들을 위한, 하나의 청취 환경

로럴 헤일로(Laurel Halo)는 동시대 전자음악에서 가장 정의하기 어려운 작곡가이자 프로듀서입니다.

그녀는 장르의 경계를 해체하고, 감정보다 분위기(atmosphere), 구조보다 감각의 흐름에 집중하며
소리를 통해 기억과 장소, 무의식의 지형도를 구축해 왔습니다.

2023년 발표된 Atlas는 그녀의 음악적·철학적 여정이 가장 정제된 형태로 응축된 작업입니다.

팬데믹 시기 “어디에도 속하지 못한 장소감”에 대한 반응으로 탄생한 이 앨범은, 실재하지 않는 공간들을 위한 사운드 환경으로 설계되었습니다.

앨범은 피아노 즉흥연주를 중심축으로, 루시 레일턴(Lucy Railton)의 첼로, 벤딕 기스케(Bendik Giske)의 색소폰, ‘제임스 언더우드(James Underwood)’의 바이올린, 코비 세이(Coby Sey)의 보컬 등의 연주가 겹겹이 더해집니다.

이 사운드들은 파리 Ina-GRM 스튜디오에서 전자적 처리 과정을 거치며 어쿠스틱과 디지털, 실내악과 앰비언트 사이의 경계를 흐리는 안개 같은 매트릭스로 정리됩니다.

이 앨범에서 청취자는 명확한 구조나 감정의 언어를 따르기보다는, 슬픔과 평온, 불안과 황홀함이 스며드는 정서의 층위 속에 머무르게 됩니다. 청취의 흐름은 꿈처럼 비선형적이고, 직관적인 감각을 따라 흘러갑니다.

Atlas는 곡이 아닌 환경, 결과물이 아닌 경험으로 구성됩니다. 그 안에서 우리는 음악을 ‘듣는다’기보다, 감각이 깨어나는 순간의 미세한 떨림을 포착하게 됩니다.

로럴 헤일로는 이 작업을 통해, 소리가 만들어내는 분위기 자체를 하나의 청취 구조로 제안합니다.

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Tilt에서의 청취 제안

8월, Tilt는 ‘감각의 구조’를 세 개의 키워드 ‘인프라신, 서브라임, 시뮬라크르’로 나누어 탐색합니다.

Laurel Halo의 Atlas는 이 중 특히 ‘분위기와 감각의 층위가 구성되는 방식’에 주목하는 작업입니다.

감정이 아닌 기류처럼 퍼지는 분위기, 구조가 아닌 몽상의 흐름 속에서 청취자는 하나의 감각적 환경에 잠시 머무는 존재로 거듭납니다.

Tilt는 이 앨범을 통해 감각이 논리보다 먼저 작동하는 방식, 그리고 사운드가 하나의 투명한 공간을 설계할 수 있다는 가능성을 함께 듣고자 합니다.

#Infrathin_Reveries

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Laurel Halo – Atlas
발매일: 2023년 9월 22일
총 10곡, 41분

참여 아티스트:
* Lucy Railton – 첼로
* James Underwood – 바이올린
* Bendik Giske – 색소폰
* Coby Sey – 보컬

1. Abandon
2. Naked to the Light
3. Late Night Drive
4. Sick Eros
5. Belleville
6. Sweat, Tears or the Sea
7. Atlas
8. Reading the Air
9. You Burn Me
10. Earthbound

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#Tilt_Phonic_Cycle

현재 소개되는 앨범들은 Tilt 8월 테마 기간 중, 공간 내 사운드 큐레이션 프로그램인 포닉 사이클의 흐름 안에서 순차적으로 재생되고 있습니다. 청취는 시간마다 매일 다르게 배치되며, 매일 새로운 감각적 경험으로 이어집니다.

Laurel Halo – Atlas
— A Listening Environment for Places That Don't Exist

Laurel Halo is one of the most difficult-to-define composers and producers in contemporary electronic music.

She dismantles the boundaries of genre, focusing on atmosphere over emotion and the flow of sensation over structure, constructing topographies of memory, place, and the unconscious through sound.

Released in 2023, Atlas is a work in which her musical and philosophical journey is condensed into its most refined form.

Born as a response to the "sense of placelessness" felt during the pandemic, this album is designed as a sound environment for spaces that do not actually exist.

The album is centered around piano improvisations, layered with performances by Lucy Railton on cello, Bendik Giske on saxophone, James Underwood on violin, and Coby Sey on vocals.

These sounds were electronically processed at the Ina-GRM studio in Paris, organized into a fog-like matrix that blurs the lines between acoustic and digital, chamber music and ambient.

Within this album, the listener is invited to dwell within layers of emotion where sorrow and tranquility, anxiety and ecstasy seep in, rather than following a clear structure or emotional language. The flow of listening is non-linear, like a dream, drifting along with intuitive sensations.

Atlas is composed not of songs but of an environment, not as a final product but as an experience. Within it, we do not so much "listen" to music as we capture the subtle tremors of the moment sensation awakens.

Through this work, Laurel Halo proposes the atmosphere created by sound itself as a listening structure.

A Listening Proposal from Tilt

In August, Tilt explores the "Structure of Sensation" through three keywords: "Infrathin," "Sublime," and "Simulacra."

Laurel Halo's Atlas is a work that particularly focuses on "the way atmosphere and sensory layers are constructed."

In an atmosphere that spreads like a current rather than an emotion, and in a flow of reverie rather than structure, the listener is reborn as a being who temporarily resides in a sensory environment.

Through this album, Tilt hopes to listen together to the way sensation operates before logic, and the possibility that sound can design a transparent space.

#Infrathin_Reveries

Laurel Halo – Atlas
Release Date: September 22, 2023
10 tracks, 41 minutes

Featured Artists:

• Lucy Railton – Cello
• James Underwood – Violin
• Bendik Giske – Saxophone
• Coby Sey – Vocals

1. Abandon
2. Naked to the Light
3. Late Night Drive
4. Sick Eros
5. Belleville
6. Sweat, Tears or the Sea
7. Atlas
8. Reading the Air
9. You Burn Me
10. Earthbound

Stephen O’Malley & Anthony Pateras – Sept duos pour guitare acoustique & piano préparé [2023]
— 침묵과 울림 사이, 경건한 청취의 기록

드론 메탈 밴드 Sunn O)))의 창립자 스티븐 오말리(Stephen O’Malley)와 실험적 작곡가 앤서니 파테라스(Anthony Pateras)의 협업은, 각기 다른 사운드 철학이 부딪히며 새로운 감각의 지형을 만들어냅니다.

이번 앨범 ‘Sept duos pour guitare acoustique & piano préparé(어쿠스틱 기타와 프리페어드 피아노를 위한 일곱 개의 이중주)’는 전자음 없이 오직 어쿠스틱 기타와 프리페어드 피아노만으로 구성되며, 모든 것이 오버더빙 없이 실시간으로 연주됩니다.

‘파테라스’는 피아노 내부에 오브제를 삽입해 타악기적이고 예측 불가능한 음색을 만들어내고, ‘오말리’는 슬라이드와 개방현의 배음을 통해 서서히 진동하는 하모닉 필드를 구축합니다.

이 작업은 전통적인 박자와 구조를 배제하고, 선형적 흐름 대신, 두 악기 사이의 미세한 긴장과 공명이 주도하는 섬세한 청취 환경이 조성됩니다. 청취자는 예측 가능한 리듬을 따르기보다, 그 안에서 발생하고 소멸하는 소리의 순간들에 집중하게 됩니다.

‘깊은 청취’란 무엇인가, ‘듣는 행위’는 어떻게 가능한가 이 앨범은 그러한 근본적 질문을, 침묵과 공명의 사이에서 던지고 있습니다.

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Tilt에서의 청취 제안

8월, Tilt는 ‘감각의 구조’를 세 개의 키워드 ‘인프라신, 서브라임, 시뮬라크르’로 나누어 탐색합니다.

이번 앨범 ‘Sept duos pour guitare acoustique & piano préparé(어쿠스틱 기타와 프리페어드 피아노를 위한 일곱 개의 이중주)’는 ‘Infrathin’과 ‘Sublime’ 사이 어딘가에 위치합니다.

음향적 여백과 감각의 미세한 진동, 무너진 시간 속에서 청취자는 ‘듣는다’는 행위 그 자체를 다시 경험하게 됩니다.

Tilt는 이 작업을 통해, 소리와 침묵 사이의 감각적 균열, 그리고 그 안에서 피어나는 내밀한 교감을 함께 듣고자 합니다.

#Infrathin_Reveries

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Stephen O’Malley & Anthony Pateras – Sept duos pour guitare acoustique & piano préparé
발매일: 2023년 9월 7일
총 7곡, 1시간 1분

1. déjà rêvé (이미 꿈꾼)
2. déjà vécu (이미 살아본)
3. déjà voulu (이미 원했던)
4. déjà senti (이미 느낀)
5. déjà su (이미 알았던)
6. déjà trouvé (이미 발견한)
7. déjà raconté (이미 이야기된)

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#Tilt_Phonic_Cycle

현재 소개되는 앨범들은 Tilt 8월 테마 기간 중, 공간 내 사운드 큐레이션 프로그램인 포닉 사이클의 흐름 안에서 순차적으로 재생되고 있습니다. 청취는 시간마다 매일 다르게 배치되며, 매일 새로운 감각적 경험으로 이어집니다.

Stephen O’Malley & Anthony Pateras – Sept duos pour guitare acoustique & piano préparé [2023]
— Between Silence and Resonance, a Record of Devout Listening

The collaboration between Stephen O’Malley, founder of the drone metal band Sunn O))), and experimental composer Anthony Pateras creates a new sensory landscape where distinct sound philosophies collide.

This album, Sept duos pour guitare acoustique & piano préparé (Seven duos for acoustic guitar & prepared piano), is composed solely of acoustic guitar and prepared piano without any electronic sounds, and everything is performed in real-time with no overdubs.

Pateras inserts objects inside the piano to create percussive and unpredictable timbres, while O’Malley builds a slowly vibrating harmonic field through the overtones of slides and open strings.

This work eschews traditional rhythm and structure. Instead of a linear flow, it fosters a delicate listening environment driven by the subtle tension and resonance between the two instruments. The listener is prompted to focus on the moments of sound as they emerge and decay, rather than following a predictable rhythm.

What is "deep listening"? How is the "act of listening" possible? This album poses these fundamental questions between silence and resonance.

A Listening Proposal from Tilt

In August, Tilt explores the "Structure of Sensation" through three keywords: "Infrathin," "Sublime," and "Simulacra."

This album, Sept duos pour guitare acoustique & piano préparé, is situated somewhere between "Infrathin" and "Sublime."

Amidst the acoustic voids, the subtle vibrations of sensation, and a collapsed sense of time, the listener re-experiences the very act of "listening."

Through this work, Tilt invites you to listen together to the sensory fissure between sound and silence, and the intimate communion that blossoms within it.

#Infrathin_Reveries

Stephen O’Malley & Anthony Pateras – Sept duos pour guitare acoustique & piano préparé
Release Date: September 7, 2023
7 tracks, 1 hour 1 minute

1. déjà rêvé (already dreamed)
2. déjà vécu (already lived)
3. déjà voulu (already wanted)
4. déjà senti (already felt)
5. déjà su (already known)
6. déjà trouvé (already found)
7. déjà raconté (already told)

#Tilt_Phonic_Cycle

The albums currently being introduced are played sequentially within the Phonic Cycle, a sound curation program in our space, during Tilt's August theme period. The listening experience is arranged differently each day at every hour, leading to a new sensory experience daily.

LCC – Bastet [2017]

— 신화적 질서와 파편으로 구성된 청취의 성역

LCC(Las CasiCasiotone)는 스페인 출신의 듀오 아나 퀴로가(Ana Quiroga)와 우게 파녜다(Uge Pañeda)가 구성한 유기적 예술 실천 공동체입니다. 이들은 교육, 퍼포먼스, 협업을 넘나들며 청각을 사회적·정서적 감응의 매개로 확장하는 작업을 지속해왔습니다.

이들의 두 번째 정규 앨범 ‘Bastet’은 고대 이집트 신화에서 모티브를 가져와, 기술적 구조와 전통 의식, 폭력과 양육, 현실과 상징이라는 이질적 요소들을 하나의 사운드 지형 안에 배치합니다.

뱀처럼 구불거리는 신디사이저, 안개처럼 퍼지는 드론, 깨지는 유리, 울리는 사이렌, 총성, 성가 이 모든 것은 하나의 명확한 의미로 수렴되지 않고, 각기 다른 시간과 감정이 충돌하며 형성된 음향적 파편들로 구성됩니다.

이 앨범은 전통적인 리듬이나 박자 구조를 철저히 거부하며, 오히려 하나의 ‘의식적 공간’을 구축하고, 그 안에 청취자가 서서히 진입하길 요청합니다.

‘Bastet’은 스톡홀름 EMS 스튜디오에서 제작된 정교한 사운드 설계를 바탕으로 구성된 작업입니다. 처음에는 공허하고 불친절하게 느껴지지만, 반복 청취를 통해 고대 의식의 층위처럼 감각의 밀도가 서서히 축적됩니다.

이 앨범에서 사운드는 신화적 시간을 현재로 소환하고, 존재의 조건을 감각의 방식으로 되묻는 하나의 ‘의례’로 전개됩니다.

LCC는 이 작품을 통해 음악을 감상의 대상이 아닌, 정신적 이동을 위한 구조적 공간으로 전환시켰습니다. 청취는 흐름을 따르기보다는, 그 안에서 해체된 기호와 상징을 따라 의미를 재구성하는 몽환적 참여로 이어집니다.

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Tilt에서의 청취 제안

8월, Tilt는 ‘감각의 구조’를 세 개의 키워드 ‘인프라신, 서브라임, 시뮬라크르’로 나누어 탐색합니다.

LCC의 ‘Bastet’은 이 중 ‘인프라신’의 개념을 의식 이전에 감각이 호출되는 고대적 층위, 그리고 신화적 상징이 소리로 재현되기 직전의 긴장된 표면에서 풀어내는 작업입니다.

이 작품은 감각을 미세하게 흔들기보다는, 분절된 사운드 구조와 상징적 기호의 파편들을 정제된 질서 속에 배열하며 청취자가 그 안에서 감각과 의미를 능동적으로 조립해가도록 설계된 청취의 장(場)입니다.

Tilt는 이 앨범을 감상의 대상이 아닌, 소리라는 형식으로 건축된 의례적 공간으로 제안합니다.

청취자는 이 공간에 입장함으로써, 사운드를 따라 움직이기보다는 그 사이에서 떠도는 상징의 흔적을 감각적으로 수집하고 조립하는 참여자가 됩니다.

이 작업은 인프라신의 문턱에서 발생하는 감각의 전환, 그리고 사운드가 상징으로 이행되기 전, 의미가 되기 직전의 긴장을 사운드로 설계하는 시도로 읽힐 수 있습니다.

#Infrathin_Reveries

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LCC – Bastet

발매일: 2017년 6월 16일

총 8곡, 44분

1. Am

2. Ib

3. Ba

4. He

5. She

6. Ka

7. Aj

8. Us

*Bastet에 수록된 트랙명들은 고대 이집트 신화와 영혼 개념에서 유래한 요소들로 해석될 수 있습니다.

• Am – 심판과 멸망의 상징 (Ammit)

• Ib – 마음, 내면의 도덕적 중심

• Ba – 자유롭게 떠도는 개성적 영혼

• He – 숨결, 존재의 흐름

• She – 여성성, 파괴와 회복의 이중성

• Ka – 생명 에너지, 영적 복제

• Aj – 완전한 영혼, 변형된 의식

• Us – 집합적 존재, 우리 모두

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#Tilt_Phonic_Cycle

현재 소개되는 앨범들은 Tilt 8월 테마 기간 중, 공간 내 사운드 큐레이션 프로그램인 포닉 사이클의 흐름 안에서 순차적으로 재생되고 있습니다. 청취는 시간마다 매일 다르게 배치되며, 매일 새로운 감각적 경험으로 이어집니다.

LCC – Bastet

— A Sanctuary of Listening Composed of Mythical Order and Fragments

LCC (Las CasiCasiotone) is an organic artistic collective formed by the Spanish duo Ana Quiroga and Uge Pañeda. Transcending education, performance, and collaboration, they have persistently worked to extend the auditory sense as a medium for social and emotional resonance.

Their second full-length album, Bastet, draws motifs from ancient Egyptian mythology, placing disparate elements such as technological structures and traditional rituals, violence and nurturing, reality and symbolism within a single sonic topography.

Snake-like synthesizers, fog-like drones, breaking glass, echoing sirens, gunshots, and chants—none of these converge into a single, clear meaning. Instead, they are sonic fragments formed by the collision of different times and emotions.

The album thoroughly rejects traditional rhythmic or metric structures, instead building a "ritualistic space" and inviting the listener to slowly enter it.

Bastet is a work constructed upon a sophisticated sound design crafted at Stockholm's EMS studio. While it may feel empty and unwelcoming at first, with repeated listening, a density of sensation gradually accumulates, like the layers of an ancient rite.

On this album, sound summons mythical time into the present, unfolding as a "ceremony" that re-examines the conditions of existence through sensory means.

With this work, LCC transforms music from an object of appreciation into a structural space for mental transit. Listening becomes a dreamlike participation, where one reconstructs meaning by following dismantled signs and symbols rather than simply following the flow.

A Listening Proposal from Tilt

In August, Tilt explores the "Structure of Sensation" through three keywords: "Infrathin," "Sublime," and "Simulacra."

LCC's Bastet unpacks the concept of "infrathin" through the ancient layer where sensation is summoned before consciousness, and on the tense surface just before mythical symbols are sonically manifested.

Rather than subtly agitating the senses, this work is a field of listening designed for the listener to actively assemble sensation and meaning within it. It arranges fragmented sound structures and symbolic signs into a refined order.

Tilt proposes this album not as an object of appreciation, but as a ritualistic space built in the form of sound.

By entering this space, the listener becomes a participant who sensorially collects and assembles the traces of symbols drifting between the sounds, rather than merely moving along with them.

This work can be read as an attempt to design with sound the sensory shift that occurs at the threshold of the infrathin, and the tension just before sound transitions into symbol, just before it becomes meaning.

#Infrathin_Reveries

LCC – Bastet

Release Date: June 16, 2017
8 tracks, 44 minutes

1. Am
2. Ib
3. Ba
4. He
5. She
6. Ka
7. Aj
8. Us

The track titles on Bastet can be interpreted as elements derived from ancient Egyptian mythology and concepts of the soul.

• Am – Symbol of judgment and annihilation (Ammit)
• Ib – The heart, the inner moral center
• Ba – The free-roaming, individual soul or personality
• He – Breath, the flow of existence
• She – The feminine, the duality of destruction and restoration
• Ka – Life energy, the spiritual double
• Aj – The complete soul, transformed consciousness
• Us – The collective being, all of us

#Tilt_Phonic_Cycle

The albums currently being introduced are played sequentially within the Phonic Cycle, a sound curation program in our space, during Tilt's August theme period. The listening experience is arranged differently each day at every hour, leading to a new sensory experience daily.

Chra – On a Fateful Morning [2017]

— 감각과 기억 사이, 소리를 설계하는 자

Chra는 오스트리아 빈을 기반으로 활동하는 사운드 아티스트 크리스티나 네멕(Christina Nemec)의 프로젝트입니다.

그녀는 음악을 제작하는 창작자의 위치를 넘어, 내면과 외부 세계의 경계를 따라 심리-지리적 지도(Psychogeographical Map)를 그려내는 음향 설계자로 평가받습니다.

초기에는 펑크 씬과 퀴어 페미니스트 퍼포먼스 밴드 활동을 거쳐, 자신의 레이블 ‘Comfortzone’ 운영과 라디오 호스트 등 다양한 방식으로 사운드와 정치, 정체성, 장소성을 연결해 왔습니다.

그녀의 작업은 늘 기존의 인식 구조를 해체하고, 소리를 통해 감각의 새로운 지형을 탐색하려는 시도로 이어졌습니다.

Chra의 음악은 즉흥성이 아닌, 사전 구성된 감각 구조에 가깝습니다. 정교하게 배치된 사운드는 건축적이며, 구조는 느리게 확장되거나 거의 멈춰 있는 듯한 형태로 존재합니다.

현실의 파편은 필드 레코딩과 저주파, 아날로그 질감을 통해 비현실적 음향 사건으로 전이됩니다.

특히 ‘on a fateful morning’은 그녀의 사운드 세계가 가장 깊이 구현된 작업입니다. 이 앨범에서 사운드는 하나의 ‘자율적 시공간 연속체’로 구성된 분위기 그 자체로 작동합니다.

두텁고 낮은 베이스 드론, 부유하는 신스, 식별이 어려운 샘플들이 최면 상태처럼 반복되며 청취자를 정의되지 않은 감각의 장으로 이끕니다.

그녀의 음악은 불협과 균형, 현실과 추상의 사이에서 조용히 진동합니다. 분명한 방향 없이 흘러가는 사운드는, 의미 이전의 감각, 현실과 상상의 중첩, 존재와 부재의 불안정한 경계를 따라 확산됩니다.

확정적인 메시지를 제시하기보다는, 잠재의식 깊은 곳에 잠들어 있던 기이하고 음모적인 기억을 서서히 깨우며, 청취를 통해 공간을 감각하고 내면을 통과하는 방식을 다시 묻습니다.

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Tilt에서의 청취 제안

8월, Tilt는 ‘감각의 구조’를 세 개의 키워드 ‘인프라신, 서브라임, 시뮬라크르’로 나누어 탐색합니다.

그중 Chra의 on a fateful morning’은 인프라신, 즉 감지되지 않은 채 잠복해 있던 감각이 기억과 감정의 저편에서 서서히 반응을 일으키는 층위에 주목합니다.

이 앨범의 사운드는 구조를 따라가기보다 침묵처럼 남은 정서의 잔향과 의식과 무의식 사이에 떠도는 감각의 흐름을 따라 움직입니다.

Tilt는 이 작품을 통해, 감각이 발생하기 직전의 상태를 음미하는 청취를 제안합니다.

#Infrathin_Reveries

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Chra – On a Fateful Morning

발매일: 2017년 12월 1일

총 6곡, 33분

1. Cognitive Ease

2. Phorusrhacidae

3. Odessatocha

4. Crowded Dream

5. das modul

6. Coisioc

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#Tilt_Phonic_Cycle

현재 소개되는 앨범들은 Tilt 8월 테마 기간 중, 공간 내 사운드 큐레이션 프로그램인 포닉 사이클의 흐름 안에서 순차적으로 재생되고 있습니다. 청취는 시간마다 매일 다르게 배치되며, 매일 새로운 감각적 경험으로 이어집니다.

Chra – On a Fateful Morning [2017]

— Between Sensation and Memory, the Architect of Sound

Chra is the project of Christina Nemec, a Vienna-based sound artist. She is regarded as more than a creator of music, but as a sonic architect who sketches a psychogeographical map along the border between the inner and outer worlds.

Her journey began in the punk scene and with queer-feminist performance bands, and she has since connected sound with politics, identity, and place in various ways, including running her own label, 'Comfortzone,' and hosting a radio show. Her work has always been an attempt to dismantle existing structures of perception and to explore new sensory topographies through sound.

Chra's music is less about improvisation and more akin to a pre-configured sensory structure. The meticulously placed sounds are architectural, existing in forms that expand slowly or seem almost to stand still. Fragments of reality are transmuted into surreal sonic events through field recordings, low frequencies, and analog textures.

On a Fateful Morning stands out as the deepest embodiment of her sound world. On this album, sound itself functions as an atmosphere, constructed as an "autarchic time-and-space-continuum". Thick, low bass drones, floating synths, and unidentifiable samples repeat in a hypnotic state, leading the listener into an undefined field of sensation.

Her music quietly vibrates between dissonance and balance, reality and abstraction. The sound, flowing without a clear direction, diffuses along the lines of pre-cognitive sensation, the superimposition of reality and imagination, and the unstable boundary between presence and absence. Rather than presenting a definitive message, she slowly awakens strange and conspiratorial memories dormant in the depths of the subconscious, questioning anew the way we sense space and traverse our inner world through listening.

A Listening Proposal from Tilt

In August, Tilt explores the "Structure of Sensation" through three keywords: "Infrathin," "Sublime," and "Simulacra."

Among them, Chra's On a Fateful Morning focuses on the "infrathin" — the layer where latent, undetected sensations begin to react from beyond memory and emotion. The concept of "infrathin," coined by Marcel Duchamp, refers to a subtle, almost imperceptible separation or interval between things.

The sounds in this album move not by following a structure, but by tracing the afterglow of emotions that remain like silence and the flow of sensations that drift between consciousness and the unconscious. Through this work, Tilt proposes a mode of listening that savors the state just before sensation arises.

Chra – On a Fateful Morning

Release Date: December 1, 2017
6 tracks, 33 minutes

1. Cognitive Ease
2. Phorusrhacidae
3. Odessatocha
4. Crowded Dream
5. das modul
6. Coisioc

#Tilt_Phonic_Cycle

The albums currently being introduced are played sequentially within the Phonic Cycle, a sound curation program in our space, during Tilt's August theme period. The listening experience is arranged differently each day at every hour, leading to a new sensory experience daily.

Pita - Get In [2016]

— 질서 바깥에서 울리는 감각의 조건

피터 레버그(Peter Rehberg, 예명 Pita)는 1990년대 이후 실험 전자음악의 흐름에서 가장 급진적이면서도 핵심적인 좌표 중 하나로 기억됩니다. 그는 노이즈라는 명칭에 갇히지 않는, 작곡가이자 큐레이터로서 소리의 물성, 감각의 경계, 그리고 존재의 균열을 끊임없이 사유해온 인물입니다.

런던에서 태어나 오스트리아 빈에 정착한 그는, 음악을 장르로 분류하고 규격화하려는 산업적 관성에 강한 회의감을 품고 있었습니다.

그에게 장르는 ‘작은 신발 상자’에 불과했으며, 소리는 그 안에 갇히지 않아야 한다고 믿었습니다.

그의 작업은 언제나 소리 자체의 물리성과 불안정성, 그리고 그로부터 파생되는 청취의 심리적 파열에 주목해 왔습니다. 그의 음악은 종종 “절반은 즉흥, 절반은 혼돈”으로 요약되곤 합니다. 이러한 접근은 무작위의 결과가 아닌, 예측 불가능한 흐름 속에서 청취자가 감각의 경계를 새롭게 인식하도록 설계된 구성적 실험이었습니다.

또한 그는 1995년부터 본인이 직접 공동 설립 및 운영해온 레이블 에디션스 메고(Editions Mego)를 통해 급진적 실험을 지속해온 수많은 동시대 작가들과의 청취 생태계를 조율해왔습니다. 이 레이블은 특정한 미학보다는 타협하지 않는 사운드 태도를 공유하는 장으로 기능해 왔습니다.

특히 ‘Get In’은 에디션스 메고에서 발매된 그의 12년 만의 솔로 앨범으로, 보다 밀도 높은 사운드 구성과 사유적 리듬으로 주목받았습니다. 폭발적인 에너지로 대표되던 초기작과 달리, 이 앨범은 반복과 지연, 긴 침묵과 돌발적인 균열을 통해 사운드가 아닌 ‘청취의 시간’ 자체에 천착합니다.

모듈러 신스와 하드웨어 기반의 접근을 통해 그는 컴퓨터 화면 너머의 질서를 벗어나 직관적이고 비재현적인 청취의 장을 만들어 냅니다. 그 안에서 우리는 소리가 발생하고 소멸하는 찰나, 그 어떤 구조도 감당할 수 없는 긴장의 순간과 마주할지도 모릅니다.

피터 레버그는 음악을 특정한 감정이나 메시지를 전달하는 기호가 아닌, 듣는 행위 자체를 되묻는 하나의 존재 조건으로 제시했습니다. 그의 유산은 음반이나 소리에 머물지 않으며, 청취라는 행위를 근본적으로 다시 묻는 그의 방식 속에 살아 있습니다.

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Tilt에서의 청취 제안

8월, Tilt는 ‘감각의 구조’를 세 개의 키워드 ‘인프라신, 서브라임, 시뮬라크르’로 나누어 탐색합니다.

피터 레버그의 음악은 이 세 개념이 교차하는 지점에 놓여 있지만, 특히 그의 사운드는 ‘인프라신’이 말하는 감지 불가능한 감각의 문턱에서 시작됩니다.

거의 들리지 않는 파열과 미세한 진동, 소리와 침묵 사이의 모호한 간극은 청취자에게 익숙한 구조나 감정을 허락하지 않으며, 감각의 흐름을 다시 정렬하게 만듭니다.

우리는 ‘Get In’이라는 작품을 통해 소리의 부재를 마주하고, 감각의 빈틈을 견디며, 그로부터 청취가 어떻게 작동하는지를 다시 사유하게 됩니다.

이 앨범은 단지 음악을 듣는 시간이 아니라, 감각의 입구에 잠시 머무는 일, 그리고 그 입구 너머의 긴장을 감지하는 조용한 훈련이 될 수 있습니다.

#Infrathin_Reveries

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Pita – Get In

발매일: 2016년 5월 14일

총 7곡, 41분

1. Fvo

2. 20150609 I

3. Aahn

4. Line Angel

5. S200729

6. 9U2016

7. Mfbk

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#Tilt_Phonic_Cycle

현재 소개되는 앨범들은 Tilt 8월 테마 기간 중, 공간 내 사운드 큐레이션 프로그램인 포닉 사이클의 흐름 안에서 순차적으로 재생되고 있습니다. 청취는 시간마다 매일 다르게 배치되며, 매일 새로운 감각적 경험으로 이어집니다.

Pita - Get In

— A Condition of Sensation Resonating Beyond Order

Peter Rehberg, known by his alias Pita, is remembered as one of the most radical yet pivotal figures in the trajectory of experimental electronic music since the 1990s. He was an artist who refused to be confined by the term "noise," a composer and curator who constantly contemplated the materiality of sound, the boundaries of sensation, and the fissures of existence.

Born in London and later settling in Vienna, Rehberg held a deep skepticism towards the industrial tendency to classify and standardize music into genres. To him, a genre was nothing more than a "little shoebox," and he believed sound should not be confined within it.

His work consistently focused on the physicality and instability of sound itself, and the resulting psychological ruptures in the act of listening. His music is often summarized as "half improvisation, half chaos." This approach was not a random outcome but a compositional experiment designed to make the listener perceive the boundaries of sensation anew within an unpredictable flow.

Furthermore, through the label Editions Mego, which he co-founded and ran from 1995, he orchestrated a listening ecosystem with numerous contemporary artists who pursued radical experimentation. The label has functioned as a platform sharing an uncompromising attitude towards sound rather than a specific aesthetic.

In particular, Get In, his first solo album in 12 years released on Editions Mego, garnered attention for its denser sound composition and contemplative rhythm. Unlike his earlier works, which were characterized by explosive energy, this album delves into "the time of listening" itself through repetition, delay, long silences, and sudden fractures.

Through a modular synth and hardware-based approach, he moved beyond the order of the computer screen to create an intuitive and non-representational field of listening. Within it, we may confront the fleeting moments of sound's emergence and disappearance, moments of tension that no structure can contain.

Peter Rehberg presented music not as a symbol for conveying specific emotions or messages, but as a condition of existence that questions the act of listening itself. His legacy resides not merely in his records or sounds, but in his method of fundamentally re-examining the act of listening.

A Listening Proposal from Tilt

In August, Tilt explores the "Structure of Sensation" through three keywords: "Infrathin," "Sublime," and "Simulacra."

While Peter Rehberg's music lies at the intersection of these three concepts, his sound, in particular, begins at the threshold of imperceptible sensation that "infrathin" describes.

The nearly inaudible ruptures, the minute vibrations, and the ambiguous gap between sound and silence do not permit the listener familiar structures or emotions, forcing a realignment of the flow of sensation.

Through the work Get In, we are made to confront the absence of sound, to endure the gaps in our senses, and from there, to rethink how listening operates.

This album is not merely a time for listening to music, but can be a quiet training—an act of momentarily pausing at the entrance of sensation and detecting the tension that lies beyond that entrance.

Pita – Get In

Release Date: May 14, 2016
7 tracks, 41 minutes

1. Fvo
2. 20150609 I
3. Aahn
4. Line Angel
5. S200729
6. 9U2016
7. Mfbk

#Tilt_Phonic_Cycle

The albums currently being introduced are played sequentially within the Phonic Cycle, a sound curation program in our space, during Tilt's August theme period. The listening experience is arranged differently each day at every hour, leading to a new sensory experience daily.

2025.08.07 THU 21:00

Raido Endless : 
The Cure
— 치유

안녕하세요. 이번 목요일, 라디오 엔들리스의 게스트 큐레이터로 함께하게 된 남희승입니다.

세상의 모든 음악에는 치유의 힘이 깃들어 있다고 생각합니다. 패션을 공부하는 학생으로서, 때때로 자신에 대한 의심과 미래에 대한 막연한 두려움을 쉽게 떨쳐내지 못하며 지내는 것 같습니다. 마음 어딘가 아파올 때, 음악은 그 아픔을 있는 그대로 받아들여 주기에 많은 위로를 받곤 합니다.

제 마음의 모양을 닮은 곡들을 모아보았습니다. 잡을 수도 없고 형체도 없이 공기 중에 스며들어, 어떠한 강요도 없이 마음을 이끌어 주는 음악. 그 음악이 흐르는 대로, 울어도 보고 사랑도 느껴보셨으면 좋겠습니다.

한 시간 동안, 시간의 흐름을 잠시 잊으시길 바라며 즐거운 마음으로 리스트를 구성해 보았습니다.
이런 특별한 기회를 마련해 주신 틸트 관계자분들께 감사드립니다.

Curated & Photos by Guest Listner,
남희승 @eatsheeseung 

1. Panda Bear - You Can Count on Me [2012]
2. Massive Attack - What Your Soul Sings [2003]
3. Venetian Snares - My Love Is a Bulldozer [2014]
4. Bvdub - Not Yours to Give [2020]
5. Tim Hecker - Pulse Depression [2023]
6. Yellow Swans - Limited Space [2010]
7. Ancient Methods - When All Is Said and Done [2016]
8. Discovery Zone - Blissful Morning Dream Interpretation Melody [2020]
9. Azrel - Breath [2023]
10. Monks Of The Abbey Of Notre Dame - Introit Benedicta Sit [1998]
11. Bon Iver - 33 “GOD” [2016]
12. Actress - Holy Water [2012]
13. Björk - All Is Full of Love [1997]
14. Keith Canisius - Swim [2016]

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*About #Tilt_Radio_Endless 010 :
매주 수·목 저녁 9시, 틸트에서 열리는 청취 프로그램입니다.
익숙한 감정과 누군가의 기억, 느슨하게 흐르는 감각들로 하나의 시간이 천천히 이어집니다. 틸트가 직접, 혹은 게스트 큐레이터와 함께 만들어갑니다.

Hello. My name is Heeseung Nam, and I'm thrilled to be the guest curator for Radio Endless this Thursday.

I believe that all music in the world holds the power to heal. As a fashion student, I sometimes find it hard to shake off self-doubt and a vague fear of the future. Whenever my heart aches, I find great comfort in music because it accepts the pain just as it is.

I've gathered a collection of songs that resemble the shape of my own heart. This is music that you can't quite grasp, that has no form and simply melts into the air, guiding your heart without any sense of force. I hope you let the music flow through you, allowing yourself to cry and to feel love.

I put this list together with the hope that, for one hour, you might forget the passage of time and simply enjoy the moment.

Thank you to everyone at Tilt for giving me this special opportunity.

*About #Tilt_Radio_Endless 010:

This is a listening program held at Tilt every Wednesday and Thursday at 9 PM. A single hour unfolds slowly with familiar emotions, someone's memories, and loosely flowing senses. It is curated directly by Tilt or together with a guest curator.

Phonic Cycle~ : Infrathin · Sublime · Simulacra
— 감각의 한계, 붕괴, 반복을 따라가는 청취의 사유



 [August 2025] 

Phonic Cycle~은 Tilt에서 매월 진행되는 몰입형 청취 프로그램입니다. 특정 음악가, 앨범, 테마를 중심으로 소리의 흐름과 구조를 재편하는 리스닝 큐레이션입니다.

2025년 7월, Tilt는 감각을 주제로 한 세 편의 청취 세션을 선보이며, 감각의 조건과 그 변이를 ‘청취’라는 행위를 중심으로 탐색했습니다. 가장 침투적인 감각인 청각을 통해, 감각의 한계와 조건, 그리고 그 붕괴 이후를 사유하고자 했던 여정이었습니다.

이 3부작은 다음의 질문을 따라 전개되었습니다.

* 감각이 거의 감지되지 않는 경계란 무엇인가?
* 감각은 어떻게 의미 너머로 확장되는가?
* 되풀이되는 감각은 여전히 감각일 수 있는가?

1부. Infrathin Reveries
감각과 부재 사이, 거의 감지되지 않는 미세한 차이.

마르셀 뒤샹 (Marcel Duchamp) 이 말한 ‘인프라신 (Infrathin)’은 존재와 부재 사이, 말로 명명할 수 없는 감각의 간극을 가리킵니다. Tilt는 이 개념을 바탕으로, 감지되기 직전의 감각에 귀 기울이는 청취를 제안했습니다. 이 청취는 불확실성과 직면하며, 감정과 언어가 닿지 않는 지점에 머뭅니다. 음악은 재현의 수단이 아닌, 감각을 구성하는 하나의 조건이 됩니다. 떠난 자의 체온, 문틈의 기류, 언어로는 옮길 수 없는 미묘한 결을 지나쳐온 감각들이 청각을 통해 되살아납니다.

2부. Of the Sublime
감각 너머의 청취, 존재의 수축과 사유의 팽창.

에드먼드 버크 (Edmund Burke) 의 ‘숭고’는 감각이 감당할 수 없는 크기 앞에서 벌어지는 침묵과 마비의 순간이며, 티모시 모튼 (Timothy Morton) 은 이를 하이퍼오브젝트(Hyperobject)라는 21세기의 조건 속에서 다시 읽어냅니다. 이 회차의 청취는 거대한 존재 앞에 선 신체의 반응이자, 청각을 통한 존재의 사유였습니다. 무력한 진동, 구조의 붕괴, 반복 속의 침묵은 음악을 단순한 청각 정보가 아닌, 감응의 공간으로 이끕니다. 청취는 감정이나 정보의 해석이 아니라, 존재의 결을 따라 발생하는 사유의 행위입니다. 언어 이전의 접촉, 사유 이전의 흔들림 그것이 이 회차에서의 ‘듣는 일’입니다.

3부. Simulacral Feedback
되풀이된 감각에 반응하는 시대의 청취

장 보드리야르 (Jean Baudrillard) 는 현대를 ‘원본 없는 복제의 시대’, 즉 시뮬라크르 (Simulacra)의 세계로 보았습니다. 기호와 이미지가 실재를 대체하며, 감각 역시 더 이상 경험이 아닌 반복되는 패턴으로 작동합니다. 오늘날의 청취는 바로 이 시뮬라크르의 논리 위에서 펼쳐집니다. 감각은 점점 더 ‘새로움’이 아닌, ‘되풀이된 구조’로 움직입니다. 알고리즘과 아카이브 속에서 반복과 참조는 감각 자체의 조건이 되고, 몰입과 위화감은 그 반복의 다른 이름입니다. 특히 해체주의 클럽 사운드는 이러한 경향을 극단까지 밀어붙입니다. 파편화된 리듬, 해체된 감정선, 정의 불가능한 소리의 운동성. 이제 음악은 형식이 아니라, 하나의 작동 조건이며, 청취자는 그 피드백 구조 속에 접속되고 재구성됩니다.

Tilt는 이러한 구조 속에서 청취의 자리를 다시 가늠합니다.

되풀이되는 감각 속에서도,
청취는 여전히 반응할 수 있는가?

청취는 실재의 부재를 넘어,
감각 그 자체로 자각하는 자리로 나아갈 수 있는가?

결론. 감각 이후의 청취

감각은 더 이상 자극의 총합이 아닙니다.
그것은 경계에서 반응하는 존재의 조건이며,
청취는 그 경계에 잠시 머무르는 행위입니다.

이번 8월 Phonic Cycle~의 감각 3부작은 감각의 미세한 입구에서 출발해, 감각 너머의 확장, 그리고 되풀이 속의 작동으로 이어지는 청취의 감각적·존재론적 흐름을 구성합니다.

Tilt는 이 흐름 속에서, 음악이 무엇을 표현하는가가 아니라, 어떻게 작동하는가, 그리고 청취자는 그 작동에 어떻게 반응하는가를 묻습니다.

이제 감각은 하나의 사유적 기획이며, 청취는 그 실천적 방식입니다. 소리는 존재를 깨우는 가장 작은 진동으로, 우리 안에서 조용히 다시 움직입니다.

Phonic Cycle~ is a monthly immersive listening program at Tilt. It is a listening curation that reshapes the flow and structure of sound, centering on a specific musician, album, or theme.

In July 2025, Tilt presented three listening sessions under the theme of "Senses," exploring the conditions of sensation and its variations through the act of "listening." Through hearing, the most pervasive of the senses, it was a journey to contemplate the limits and conditions of the senses, and what lies beyond their collapse.

This trilogy unfolded along the following questions:

• What is the boundary where sensation is barely perceived?
• How does sensation extend beyond meaning?
• Can a recurring sensation still be a sensation?

Part 1: Infrathin Reveries
The subtle, almost imperceptible difference between sensation and its absence.

Coined by Marcel Duchamp, "infrathin" refers to the unnamable gap in sensation between presence and absence. Building on this concept, Tilt proposed a mode of listening that attends to sensation just before it is perceived. This listening confronts uncertainty and dwells at a point untouched by emotion and language. Music becomes not a means of representation, but a condition that constitutes sensation itself. Sensations that have passed through the warmth of a departed body, the draft from a doorjamb, and the subtle textures that language cannot convey are revived through the auditory sense.

Part 2: Of the Sublime
Listening beyond sensation, the contraction of being and the expansion of thought.

Edmund Burke's "sublime" is a moment of silence and paralysis in the face of a magnitude that the senses cannot handle. Timothy Morton reinterprets this in the 21st-century context of the "hyperobject"—objects or systems so vast in time and space, like global warming, that they are difficult to grasp. This session's listening was a bodily response to a colossal presence, a contemplation of existence through the auditory. Powerless vibrations, the collapse of structure, and silence within repetition lead music not to be mere auditory information, but a space of affective response. Listening is not the interpretation of emotion or information, but an act of thought that follows the grain of existence. A pre-linguistic contact, a tremor before thought—that is the "act of listening" in this session.

Part 3: Simulacral Feedback
The listening of an era that responds to repeated sensations.

Jean Baudrillard saw the modern era as a world of "simulacra," an age of copies without an original.Signs and images replace reality, and sensation itself operates no longer as experience but as a repeating pattern. Today's listening unfolds upon this logic of the simulacrum. Sensation moves increasingly not as "newness," but as a "repeated structure." In algorithms and archives, repetition and reference become the very condition of sensation itself, and immersion and alienation are other names for that repetition. Deconstructed club sounds, in particular, push this tendency to its extreme with fragmented rhythms, dismantled emotional arcs, and undefinable sonic movements. Music is now not a form, but an operating condition, and the listener is connected to and reconfigured within its feedback structure.

Within this structure, Tilt re-examines the role of listening.

Even amid recurring sensations,
can listening still be a response?

Can listening move beyond the absence of the real,
to a place of self-awareness as sensation itself?

Conclusion: Listening After Sensation

Sensation is no longer the sum of stimuli.
It is the condition of a being that responds at the boundary,
and listening is the act of lingering for a moment at that boundary.

This August, Phonic Cycle~'s sensory trilogy constitutes a sensual and ontological flow of listening that begins at the subtle entrance of sensation, expands beyond it, and operates within repetition.

Within this flow, Tilt asks not what music represents, but how it operates, and how the listener responds to that operation.

Sensation is now a speculative project, and listening is its practical method. Sound, as the smallest vibration that awakens existence, quietly moves again within us.

2025.07.30 WED 21:00 (수요일 저녁 9시)

Radio Endless :
A Graveyard of Unmade Films
— 아직 만들어지지 않은 영화들의 무덤

반갑습니다. 이야기를 만들고 있는 Wan-E/김명완 입니다.

오늘 Radio Endless 큐레이션의 제목은 <아직 만들어지지 않은 영화들의 무덤> 입니다. Carlos Ruiz Zafón (카를로스 루이스 사폰) 의 소설 ‘바람의 그림자’ (2001) 에 나오는 ‘잊혀진 책들의 묘지’에서 영감을 받은 제목입니다.

늘 제가 품고, 쓰고, 간직하고 있는 이야기를 영화로 만들면 어떤 영상과 소리일까를 상상합니다. 때로는 음악을 듣다가 나만의 영화들이 상상될 때가 있습니다. 영화음악도 예외는 아닙니다. 어떤 영화음악은 그 영화의 장면과 떼려야 뗄 수 없지만 어떤 영화음악은 그 장면을 떼어내고 내 머릿속에서 만들어지는 영상을 붙여 봅니다. 그 중 사라지는 것도 있지만 좀비처럼 죽지 않고 귀환하는 음악과 장면들이 있습니다.

아래는 그 음악들의 목록입니다. 1년이 안 된 것부터 20년이 넘은 음악도 있습니다. 아직 세상에 나오지 않았기에 이 음악(속에 묻어 있는 영화들)을 무덤이라고 불렀습니다. 무덤에서 좀비가 귀환하듯 음악을 들으며 떠올린 장면들을 영화로 만드는 날을 상상해봅니다. 함께 들으며 각자의 영화들을 상상했으면 합니다.

— Curated by Guest Listener, 김명완

1. Ozzy Osbourne - I Don‘t Wanna Stop [2007]
2. Elvis Presley - Burning Love [1973]
3. Renata Suicide - 경성연가 [2019]
4. Tom Waits - Jersey Girl [1980]
5. 2WEI - Unreal Tournament[2024]
6. Fatboy Slim - Right Here, Right Now [1998]
7. 64ksana - Subusa [2024]
8. Tenmon - 雲のむこう、約束の場所 (The Place Promised In Our Early Days) [2020]
9. 김수철 - 지친 어깨 [1983]
10. 한영애 - 너의 편 [2014]
11. Mew - Comforting Sounds [2000]
12. Max Richter - Dream 1 (before the wind blows it all away) pt1,2 [2015]
13. The B Movie Monsters - Zombie a–Go Go [2010]

*About Radio Endless :
매주 수·목 저녁 9시, 틸트에서 열리는 청취 프로그램입니다.
익숙한 감정과 누군가의 기억, 느슨하게 흐르는 감각들로 하나의 시간이 천천히 이어집니다.

틸트가 직접, 혹은 게스트 큐레이터와 함께 만들어갑니다.

Hello. I'm Wan-E/Kim Myeong-wan, and I create stories.

Today's curation for Radio Endless is titled "A Graveyard of Unmade Films." The title is inspired by the 'Cemetery of Forgotten Books' from Carlos Ruiz Zafón's 2001 novel, The Shadow of the Wind.

I always imagine what the stories I conceive, write, and cherish would look and sound like as films. Sometimes, when I listen to music, my own movies come to mind. Film scores are no exception. While some film music is inextricably linked to its scenes, I sometimes detach the music from the original movie and pair it with the images that form in my head.

Some of these pairings fade away, but others, like zombies, refuse to die and return, along with their scenes.

Below is a list of that music. Some are less than a year old, while others are over twenty years old. I call this collection a graveyard because these films (buried within the music) have not yet been brought into the world. Just as a zombie might rise from its grave, I dream of the day I can bring the scenes inspired by this music to life as films. I hope that as you listen along, you will imagine your own movies.

*About Radio Endless :

A weekly listening experience held every Wednesday and Thursday at 9 PM.

We weave together familiar emotions, shared memories, and a gentle flow of sensations to create a slow, contemplative hour. Each session is curated by the Tilt team, sometimes in collaboration with guest curators.

2025.07.26 SAT 20:00 (토요일 저녁 8시)

Drift Mode : 

Simulacral Feedback
— 되풀이된 감각에 반응하는 시대의 청취

원본과 복제의 경계가 사라진 시대.
출처 없이 떠도는 샘플들, 코드처럼 작동하는 감정.
익숙하면서도 낯선 멜로디, 의미를 상실한 채 층층이 쌓이는 리듬들.

우리는 이 공허한 충만함을 때로 ‘몰입’이라 부르거나,
기묘한 ‘위화감’으로 느낍니다.

하지만 이것은 더 이상 현실을 모방하는 음악이 아닙니다.
어쩌면 우리는 음악이 아니라,
끝없이 되풀이되는 감각의 신호 그 자체에
반응하고 있는 것인지도 모릅니다.

이번 Drift Mode는 바로 그 지점에서 시작됩니다.
반복과 참조로 얽힌 소리의 구조 속에서,
감각의 방향을 다시 설정해봅니다.

이 되풀이의 회로는
‘클럽’이라는 신체적 공간에서 가장 선명하게 증폭됩니다.
특히 해체주의 클럽(Deconstructed Club)의 사운드는
더 이상 춤을 위한 기능이 아니라,
우리의 감각 체계 자체를 겨냥합니다.

이것은 감상이 아닌 접속입니다.
쾌감과 불쾌감의 경계가 허물어지는 지점.
무엇이 잘못되었는지는 알 수 없지만,
분명 무언가가 내 안에서 작동하고 있다는 감각.

이것은 음악의 형식을 빌린,
소리 그 자체의 작동 원리입니다.

감정, 정체성, 해석조차
더 이상 어떤 ‘진짜’를 가리키지 않습니다.
모든 것은 원본 없는 복제(Simulacra)의 연쇄일 뿐.
우리는 그 파편화된 신호 속에서
자기 자신과 조우합니다.

실재가 사라진 자리,
그 잔해 위에 그려진 청각의 지형도.
Drift Mode는 그 지도 위에서,
다시 한번 당신의 감각을 엽니다.

1. Blawan - Toast
2. Peder Mannerfelt - Limits to Growth
3. Amnesia Scanner - AS Chingy
4. Aho Ssan - Simulacrum II
5. Lorenzo Senni - Digital ∞ Tzunami
6.  Errorsmith - Fango Pack
7. Mumdance, Logos & Rabit - Inside the Catacomb
8. sideproject - Double Zebra
9. Chino Amobi - Malmo
10. Age Coin - Raptor
11. Oneohtrix Point Never - We'll Take It
12. Toxe - Determina
13. KABLAM - Vanmakt
14. Objekt - Silica
15. Jimmy Edgar & SOPHIE - METAL
16. Fatima Al Qadiri - Curfew
17. Tzusing - Nature Is Not Created in the Image of Man's Compassion
18. Lotic - Bulletproof

An era where the boundary between the original and the copy has vanished.
Samples that circulate without a source, emotions that function like code.
Familiar yet alien melodies; rhythms layered one upon another, stripped of meaning.

We sometimes call this hollow fullness “immersion,”
or experience it as an uncanny sense of unease.

However, this is no longer music that mimics reality.
Perhaps what we're responding to isn't the music at all,
but the endlessly repeating sensory signals themselves.

This is the very point where Drift Mode begins.
Within a sonic structure woven from repetition and reference,
we attempt to reset the orientation of our senses.

This circuit of repetition is most vividly amplified in the corporeal space of the “club.”
The sound of Deconstructed Club, in particular,
is no longer functional for dancing; it takes aim at our sensory system itself.

This is not contemplation; it is an interface.

A point where the line between pleasure and displeasure dissolves.

The feeling that you can’t tell what’s wrong,
but that something is undeniably at work within you.

This is the operating principle of sound itself,
merely borrowing the form of music.

Emotion, identity, even interpretation
no longer point to anything “real.”
Everything is just a chain of simulacra—copies without an original.
It is within these fragmented signals that we encounter ourselves.

In the space where reality has faded,
a sonic topography is drawn upon the ruins.
It is on this map that Drift Mode
opens your senses anew.

2025.07.25 FRI 20:00 (금요일 저녁 8시)

Drift Mode :

Of the Sublime
— 감각 너머의 청취

‘에드먼드 버크의 숭고,
티모시 모튼의 하이퍼오브젝트,
그리고 청취의 자리’

대부분의 전시와 큐레이션은 시각을 중심으로 감각을 구성해왔습니다. Tilt는 이 익숙한 틀을 벗어나, 청각을 통해 감각의 경계에 접근하고자 합니다.

청각은 시각보다 더 수동적이며, 내밀하고, 침투적인 감각입니다. 우리는 청취를 통해 해석 이전의 감응을 경험하고, 그 안에 잠시 머무르게 됩니다.

이 기획은 수용의 차원을 넘어, 신체적 체험과 개념적 사유가 만나는 지점에 ‘청취’라는 행위를 놓습니다.

18세기, 에드먼드 버크 (Edmund Burke)는 ‘숭고(the sublime)’를 감각이 감당할 수 없는 크기 앞에서 발생하는 경외로 설명했습니다.  그것은 조화로운 아름다움과는 다른 차원 무질서, 침묵, 압도 속에서 도래하는 감각의 붕괴이자 존재의 수축이었습니다. 

폭풍우 속의 바다, 절벽 끝, 신의 목소리. 버크가 상정한 숭고는 언제나 인간을 작게 만드는 순간과 함께합니다. 

그리고 오늘날, 우리는 그 감각을 보이지 않는 진동, 지각 너머의 구조, 혹은 들을 수 없는 소리 속에서 다시 마주합니다.

21세기의 철학자 티모시 모튼 (Timothy Morton)은 이러한 감각을 생태적 사유의 지형으로 이끕니다. 그가 말한 ‘하이퍼오브젝트(hyperobject)’란 기후변화나 방사능, 목성처럼 전체를 파악할 수 없고 시간과 공간의 범위를 초과하는 비가시적 존재입니다.

그것은 우리 밖에 있으면서도 동시에 우리 안에 머무르며, 인식 이전의 층위에서 감각을 교란하는 구조입니다.

모튼은 숭고를 존재의 탈중심성과 무력감이 교차하는 생태적 감응으로 다시 정의합니다.

그렇다면, 그 감각은 ‘들을 수’ 있을까요?

우리는 소리를 대개 정보나 감정의 매개로 인식합니다. 그러나 TILT에서의 청취는, 소리를 존재의 결을 드러내는 계기로 마주합니다.

저역이 몸을 진동시키고, 소리의 경계가 해체될 때,
몸은 더 이상 듣는 주체가 아니라 그 안에 놓인 감각적 존재로 이행하게 됩니다.

그 소리는 전체를 보여주지 않고, 침묵과 반복 사이를 부유하며, 해석 이전의 감응으로 도달합니다.

청취는 숭고에 닿을 수 있습니다. 소리는 의미보다 먼저 다가와, 감각의 층위를 천천히 통과합니다. 

의식은 그 뒤를 따르고, 설명은 조용히 멈춥니다. 그리고 몸은, 그 자리에 머뭅니다.

이번 큐레이션은 감각의 한계에서 출발한 철학이, 청취를 통해 어떻게 존재의 체험으로 전환될 수 있는가에 대한 질문입니다.

버크와 모튼은 서로 다른 시대의 언어로 감각 너머에서 도래하는 존재의 크기를 이야기했습니다.

그리고 지금, 그들의 사유는 소리라는 가장 미세하고 강력한 진동을 통해 우리 곁에 도달합니다.

이번 큐레이션은 청각적 감상의 차원을 넘어, 존재와 감각을 다시 묻는 하나의 사유적 행위로 제안됩니다.

청취는 감각의 경계에 잠시 머무름으로써, 존재를 다시 바라보게 합니다.

1. emptyset - Collapse [2012]
2. Eric Holm - Stave [2014]
3. Gagarin Kombinaatti - Massa [2016]
4. FIS - Steeper [2012]
5. Kerridge - FLA 5 [2016]
6. KIM ILDU / ENGELR HASHIM / KIM, CHANGHEE - KDJ [2021]
7. Mika Vainio - Teutons [2009]
8. Franck Vigroux - Centaure [2014]
9. damirat - Es rotis [2019]
10. Killawatt - Excessive Hyperbole (Monic Version) [2015]
11. KETEV - Women / Animal Skull [2016]
12. Kosei Fukuda - Deviation (Light Within a Silent Path) [2020]
13. emptyset - Function: Vulgar Display of Power (Roly Porter Variation) [2012]

Edmund Burke's Sublime,

Timothy Morton's Hyperobjects,

and the Position of Listening

Most exhibitions and curatorial practices have traditionally centered on the visual. Tilt deviates from this familiar framework, seeking to approach the boundaries of sensation through the auditory.

Hearing is a more passive, intimate, and invasive sense than sight. Through the act of listening, we experience a resonance that precedes interpretation, a state in which we can momentarily dwell.

This project situates the act of "listening" at the intersection of physical experience and conceptual thought, moving beyond mere reception.

In the 18th century, Edmund Burke described "the sublime" as an awe that arises when faced with a magnitude that overwhelms the senses. It was a collapse of sensation and a contraction of being, distinct from harmonious beauty, that emerged from disorder, silence, and overwhelming power.

A stormy sea, the edge of a cliff, the voice of God—Burke's sublime is always present in moments that diminish the human scale. Today, we re-encounter this sensation in invisible vibrations, in structures beyond our perception, or in sounds we cannot hear.

The 21st-century philosopher Timothy Morton extends this sensation into the realm of ecological thought. His concept of a "hyperobject" refers to non-localizable entities that exceed our grasp of time and space, such as climate change, radioactivity, or the planet Jupiter.

A hyperobject is a structure that exists both outside of us and within us simultaneously, disrupting our senses at a level prior to cognition. Morton redefines the sublime as an ecological resonance where the decentering of being and a sense of powerlessness intersect.

Can this sensation, then, be "heard"?

We generally perceive sound as a medium for information or emotion. However, listening in Tilt is an opportunity to encounter sound as a revealer of the very texture of existence.

When low frequencies vibrate the body and the boundaries of sound dissolve, the body is no longer a subject that hears, but a sensory being placed within the sound itself.

This sound does not reveal a whole. It drifts between silence and repetition, arriving at a resonance that precedes interpretation.

Listening can touch the sublime. Sound arrives before meaning, slowly passing through the layers of sensation.

Consciousness follows, and explanation quietly ceases. And the body remains, dwelling in that place.

This curatorial project poses a question: How can a philosophy that begins at the limits of sensation be transformed into an experience of being through the act of listening?

Burke and Morton, in the language of their respective eras, spoke of a magnitude of being that arrives from beyond the senses.

Now, their thoughts reach us through the most subtle and powerful of vibrations: sound.

This curation is proposed not merely as an exercise in auditory appreciation, but as a philosophical act that re-examines existence and sensation.

By momentarily dwelling at the boundary of the senses, listening allows us to see existence anew.

2025.07.23 WED 20:00 (수요일 저녁 8시)

Radio Endless 
: A Day That Lingers
— 괜히 오래 남는 하루

안녕하세요.
틸트에서 바를 맡고 있는 김윤정입니다.

어느 날 대표님이 이렇게 물으셨어요.
“혹시 여행 중에 듣고 싶은 음악이 있다면, 한번 들려주실 수 있을까요?”

그렇게 갑작스레 Radio Endless 큐레이션을 제안받게 되었습니다. 틸트의 음악들은 워낙 개성이 뚜렷해서, 제가 평소 듣는 곡들이 어울릴지 걱정도 됐지만 오히려 그런 결이 라디오 앤들레스에 필요하다고 하시더라고요.

그래서 편안히 제 감각대로 천천히 음악을 모아보았습니다.

그 이후로는 일하다가도 문득
‘내가 여행 중에 듣고 싶었던 음악은 뭐였을까’
하는 생각에 잠기곤 했어요.

그리고 자연스럽게 
혼자 여행했던 도쿄가 떠올랐습니다.

도쿄를 떠올리면 언제나 장면부터 스칩니다.

비 오는 날 숙소 앞에 세워진 자전거,
쇼윈도에 비친 도시의 얼굴,
골목 어귀의 작은 가게들,
텅 빈 공원의 그네와 미끄럼틀,
그리고 물빛이 조용히 흔들리던 이나카시라 공원.

대단한 사건은 없었지만 그날의 공기와 풍경은 오래도록 마음속에 남아 있었습니다.

말하지 않았지만 분명히 남아 있는 감정들,
어딘가에 가만히 머물러 있던 장면들.

혼자 걷던 골목의 불빛,
우연히 마주친 창 너머 풍경,
하루 종일 말 없이 지나온 길목들.

그 모든 순간이 
하나의 노래처럼 마음에 걸립니다.

틸트 바에 있다 보면 
사람들 사이의 여백을 자주 보게 됩니다. 
그 여백에 굳이 말을 채우기보다는 그냥 곁에 
머무는 일이 더 중요한 순간들이 있죠.

이 음악들도 그랬으면 합니다.
크게 울리진 않아도 오래 남는 곡들처럼요.
말보다는 감정에 가까운 
그런 결의 음악들로 골라보았습니다.

그리고 언젠가
이 곡들을 다시 들었을 때
그날의 조용했던 장면이 
슬며시 떠오르길 바랍니다.

별일 없던 하루였지만
괜히 오래 남는 기억처럼요.

게스트 큐레이터 김윤정 (Tilt Bar Director)

1. Haruka Nakamura – Morning [2020]
2. Musette – 10 Juli [2009]
3. Lullatone – Drip Drops Jumping On An Umbrella [2004]
4. Ichiko Aoba – Asleep Among Endives [2023]
5. Tomoyoshi Date – A Daily Conversation Between Strangers [2008]
6. Asana – Le Le [2006]
7. Shuta Hasunuma – Wirkraum [2023]
8. Masakatsu Takagi – Marginalia #48 [2021]
9. Taeko Onuki & Ryuichi Sakamoto – 3びきのくま (Sambiki no Kuma) [2010]
10. Charlie Haden & Carla Bley – Silence [1983]

Hello,
My name is Yunjung Kim, and I'm the bar director at Tilt.

One day, the CEO asked me, "If you had a playlist for a trip, could you share it with us?"

And just like that, I was unexpectedly offered the chance to curate for Radio Endless. The music at Tilt has such a distinct character that I was worried my personal playlist wouldn't fit in. However, he assured me that my different style was exactly what Radio Endless needed.

So, I took my time and comfortably gathered music that resonated with me.

After that, I would often find myself lost in thought, even while working, wondering,

"What was that music I wanted to listen to on my trip?"

And naturally, my solo trip to Tokyo came to mind.

When I think of Tokyo, scenes always flash through my mind first.

A bicycle parked in front of my lodging on a rainy day,
The reflection of the city's face on a show window,
Small shops in the alleyways,

The swings and slides in an empty park,
And Inokashira Park, where the water's surface quietly shimmered.

Nothing monumental happened, but the atmosphere and scenery of that day have lingered in my heart for a long time.

Unspoken, yet clearly remaining emotions,

Scenes that stayed with me.

The lights of an alley I walked alone,
A view from a window I happened to pass by,
The streets I silently walked all day.

All those moments hang in my mind like a single song.

Being at the Tilt bar, I often notice the spaces between people. There are moments when it's more important to simply be present in that space rather than filling it with unnecessary words.

I hope this music can be like that. Like songs that linger for a long time without being loud. I've chosen music that is closer to a feeling than to words.

And I hope that someday, when you listen to these songs again, the quiet scenes of that day will gently come to mind.

Like a memory of an uneventful day that for some reason, stays with you for a long time.

Guest Curator: Yunjung Kim (Tilt Bar Director)

2025.07.22 TUE 19:40 (화요일 저녁 7시 40분)

Drift Mode: Infrathin Reveries
— 감각과 부재 사이

“가능성이 되어감을 포함할 때, 그 하나에서 
다른 하나로의 전이는 인프라신에서 일어난다.”
— 마르셀 뒤샹 (Marcel Duchamp)의 Notes on the Inframince 중 발쵀- 

현대 감각은 점점 더 크기와 속도, 명료함만이 강조되는 시대로 정의되기를 요구받습니다. 그러나 어떤 감각 혹은 어떤 감정은 그와 반대의 방식으로만 드러납니다.

명명되지 않은 채 감지되는 것.
말로 옮겨지지 않는 미세한 차이.

가장 본질적인 물음은 그 경계에서 비롯됩니다.
어쩌면, 그 경계는 오늘날 가장 급진적인 사유의 지점일지 모릅니다.

마르셀 뒤샹이 말한 ‘인프라신(Infrathin)’은 감각과 부재 사이, 거의 감지되지 않는 경계선을 말합니다.

누군가가 떠난 방의 체온, 
닫힌 문과 열려 있던 창 사이의 온도, 
또는 기억 속에만 남아 있는 어떤 장면의 결. 
이는 우리가 쉽게 지나치는 감각의 경계입니다.

이번 Drift Mode는 바로 그 경계에서의 청취를 얘기합니다. 감각이 ‘포착하려다 놓치는’ 순간을 주목하며, 사물과 정동 사이의 간극, 언어 이전의 직관, 감각이 완전히 사라지기 직전의 진동에 머뭅니다.

이 지점에서 음악은 더 이상 기호가 아닌, 감각의 조건으로 작동합니다. 감정이나 의미 어느 것도 직접적으로 도출되지 않으며, 감각은 ‘있었던 것’과 ‘사라진 것’ 사이의 틈을 따라 사유의 미세한 층위로 닿아갑니다.

‘Infrathin Reveries’는 감각의 본질에 대한 질문입니다. 어쩌면 우리가 지금 다루어야 할 감각은, 감지할 수 없는 그것인지도 모릅니다.

큐레이션된 음악은 이 감각을 불러오는 하나의 조건으로 작동합니다. 그리고 Tilt는 청취자가 그 문턱에서 머무는 경험을 할 수 있도록 제안합니다.

1. Pita - Fvo [2016]
2. Chra - Crowded Dream [2017]
3. LCC - Aj [2017]
4. Laurel Halo, Lucy Railton & James Underwood - Reading the Air [2023]
5. Stephen O'Malley & Anthony Pateras - déjà su [2023]
6. Roly Poter - Ix [2011]
7. Kyle Bobby Dunn - An Evening With Dusty [2021]
8. Else Marie Pade & Jacob Kirkegaard - Nimbostratus [2014]
9. Suum Cuique - Deus Ex Machina [2012]
10. Lisa Lerkenfeldt - In Her Hair [2020]
11. Peter Rehberg - ML3 [2008]

"The possible implying becoming — the passage from one to the other takes place in the inframince."

- Marcel Duchamp, Notes on the Inframince -

Our modern sensibilities are increasingly defined by an era that prizes only scale, speed, and clarity. Yet, certain sensations, certain feelings, reveal themselves only in the opposite manner.

That which is sensed but not named.

The subtle difference that escapes language.

The most essential questions arise from this threshold.
Perhaps this threshold is the most radical site of contemplation today.

Marcel Duchamp's 'infrathin' refers to the barely perceptible boundary between presence and absence.

The warmth of a room just after someone has departed,

the difference in temperature between a closed door and an open window,
or the texture of a scene that exists only in memory.
These are the thresholds of sensation we so easily overlook.

This iteration of Drift Mode is about listening at this very threshold. It hones in on the moment our senses 'attempt to grasp, only to miss,' dwelling in the gap between objects and affect, in pre-linguistic intuition, and in the vibration of a sensation right before it vanishes completely.

At this point, music no longer operates as a symbol but as a condition for sensation. Neither emotion nor meaning is directly deduced; instead, sensation traces the fissure between 'what was' and 'what has vanished,' reaching into the subtle strata of thought.

Infrathin Reveries is an inquiry into the essence of sensation. Perhaps the very sensations we must now engage with are those that are, by their nature, imperceptible.

2025.07.24 THU 20:00 (목요일 저녁 8시)

Radio Endless : 
Like Everything Being Seen Has a Bow
— 보이는 모든 것에 무지개가 있는 것처럼

안녕하세요. 작가 차지량입니다. ‘보이는 모든 것에 무지개가 있는 것처럼’은 꿈/깸 사이의 다층적인 시공간으로 향하는 주문이자 다짐의 문장입니다. 저는 이 여정에서 마주한 존재들과 함께 즉흥 연주를 하며, 풍경을 펼쳐 보는 시간을 가졌습니다. TILT의 제안으로 그 여정을 다시 떠올리며, 소리들을 모아보았습니다. 

제가 가장 좋아하는 일은 ‘함께 소리를 듣는 일’입니다. 각자의 내면에서 미세하게 진동하는 것들 사이에서 생겨나는 풍경을 떠올립니다. 그 모든 풍경과 존재가 만들어낸 휘어진 시공간은 돌고 돌아 다시 자신에게로 돌아옵니다.

1. Duval Timothy – First Rain [2018]
2. Ironomi – 風草 [2015]
3. Cornelius – Surfing on Mind Wave, Pt.2 [2017]
4. Max Cooper - Transcendental Tree Map [2020]
5. Cha – love poem [2024]
6. Yeji Yeon – Nocturnal flight [미발매]
7. CJR – Free to Leave [미발표]
8. CJR, Oh Sera, Yeji Yeon, Cha, Joongwon, Lee Yuchae – 보이는 모든 것에 무지개가 있는 것처럼 (Improv #5 - #7) [Live]
9. Living Room – 어둠에서 빛으로 이끄소서 (Improv with CJR, Sera, Yeji) [Live]
10. Jonah Yano – The Heavy Loop [2024]

총 분량: 약 118분

Hello. This is Jiriang Cha The phrase, "Like Everything Being Seen Has a Rainbow," is both an incantation and a vow that guides one toward the multi-layered time and space between dreaming and waking. Along this journey, I have had moments of improvising with the beings I encountered, unfolding the landscape. At the suggestion of TILT, I found myself revisiting that journey and have gathered these sounds.

What I love to do most is 'listen to sounds together.' I envision the landscape that emerges from between the subtle vibrations within each of us. The warped time-space, created by all those landscapes and beings, circles and meanders only to return to oneself.

Total duration : 121 Min

Image 1-3

Cha Ji Ryang < Like Everything Being Seen Has a Bow>

Installation, Improvisation performance, 83min, Dimensions variable

(2024, Photography: Ahina Archive, Exhibition: MaTEriDeLIA curated by Kwon Taehyun)

2025.07.19 SAT 20:00 (토요일 저녁 8시)

Drift Mode : 

Def Jux – Independent As F*ck

— 가장 독립적인, 가장 불온했던 순간들.

처음엔 브롱스(Bronx)로 향했습니다. 불타는 도시와 커뮤니티의 에너지 속에서 힙합은 생존이자 저항이었습니다. 이후 힙합은 주류로 진입했고, Def Jam은 그 정점에 섰습니다.

그러나 우리는 물었습니다.

“그렇다면, 힙합의 또 다른 미래는 어디 있었을까?”

그 질문 끝에서, Tilt는 Def Jam이 아닌 Def Jux에 닿았습니다.

Definitive Jux Records.

1999년, El-P와 Amaechi Uzoigwe가 설립한 이 뉴욕의 인디 레이블은 2000년대 초반 힙합씬에 날카로운 균열을 만들어낸 이름이었습니다.

심지어 그들의 레이블 이름조차 선언이었습니다.

Def Jam의 이름을 비틀어, Def Jux라 명명한 것.

‘Definitive Juxtaposition’ 명확한 대조. 

즉, “우리는 그들과 전혀 다르다”는 위트 있고 단호한 선언이었습니다.

당시 힙합이 점점 더 매끈해지던 시기, Def Jux는 그 흐름을 거슬러, 전혀 다른 방향을 선택했습니다. 상업적 쾌감 대신, 거친 프로덕션과 감정의 혼란, 그리고 무엇보다도 ‘실험’을 선택했습니다.

El-P는 말합니다.

“가장 무질서하게 들리면서도, 

가장 힙합처럼 느껴지기를 원했다.”

그의 손끝에서 나온 음악은 디스토피아적이고, 

메탈 같고, 때론 기이하게 아름다웠습니다. 

Cannibal Ox의 파괴적인 붐뱁,

Aesop Rock의 난해하고 시적인 가사,

RJD2의 소울-기반 비트까지.

Def Jux는 레이블이라기보다 창작자들이 

모여 만든 자율 공동체에 가까웠습니다.

이들은 상업적 타협을 거부하고,

물질주의적 주제를 밀어내며,

자기만의 방식으로 세상을 말했습니다.

그러나 이 실험은 오래 지속되지 못했습니다.

El-P의 번아웃, 디지털 유통 구조의 변화,

그리고 Camu Tao의 사망까지.

2010년, Def Jux는 공식 활동을 멈추고

El-P는 Run The Jewels라는 또 

다른 장으로 향합니다.

Def Jux는 더 이상 존재하지 않지만,

그들이 남긴 정신은 여전히 여기에 있습니다.

예술의 중심에 아티스트를 두는 것.

표현과 실험이 가장 중요한 기준이 되는 것.

그리고 무엇보다도, 주류에 맞서

자기만의 언어를 끝까지 밀어붙이는 것.

이번 Drift Mode는 Def Jux를 넘어, 그 전후의 흐름까지 따라갑니다. 그 전신이었던 Company Flow에서 시작해, Sonic Sum 같은 비평적 지형을 흔든 팀들, 그리고 이후 Run The Jewels, billy woods, Death Grips까지, Def Jux가 열어젖힌 길 위에 놓인 사운드들을 되짚습니다.

또한, 마지막에는 그 실험 정신을 극한까지 밀어붙인 한 곡을 남깁니다. 힙합이 닿을 수 있는 가장 바깥 가장자리, 그리고 그 너머에 도달한 사운드 Autechre 의 ‘recks on‘을 가장 독립적이고 실험적인 방식으로, 이 이야기를 마무리합니다.

이것은 하나의 레이블이 아닌, 가장 힙합다웠던 실험과 독립성의 계보에 관한 이야기입니다.

“Independent as f*ck.”

끝까지, 가장 자신답게.

1. Company Flow – Definitive [1997]

2. Cannibal Ox – Vein [2001]

3. El-P – Tuned Mass Damper [2002]

4. Aesop Rock – Boombox [2001]

5. Mr. Lif – Post Mortem (feat. Akrobatik) [2002]

6. RJD2 – Final Frontier [2002]

7. Cage – Ck Won [2005]

8. Run The Jewels – Get It [2013]

9. Rob Sonic – Shoplift [2004]

10. Sonic Sum – Films (feat. Mike Ladd) [2000]

11. Billy Woods & Kenny Segal – A Day in a Week in a Year [2019]

12. Tyler, The Creator – French (feat. Hodgy Beats) [2009]

13. Westside Gunn – Free Kutter (feat. Jay Electronica) [2022]

14. Death Grips – Double Helix [2012]

15. Camu Tao – Ind of the Worl [2010]

+ Autechre - recks on [2013]

Our journey began in the Bronx. Amidst the fires and the vibrant energy of its communities, hip-hop was a tool for survival and an act of resistance. Soon, it broke into the mainstream, with Def Jam reigning at its peak.

But it made us ask:

"So, what was the other future of hip-hop?"

The answer to that question led us not to Def Jam, but to Def Jux.

Definitive Jux Records.

Founded in 1999 by El-P and Amaechi Uzoigwe, this New York indie label was the name that carved a jagged rift in the early 2000s hip-hop scene.

Even the label's name was a statement of intent. A clever twist on Def Jam, they called themselves Def Jux. It stood for "Definitive Juxtaposition"—a clear contrast.

In other words, it was a witty and defiant declaration: "We are nothing like them."

At a time when hip-hop was becoming increasingly polished, Def Jux defied the trend and chose a radically different path. They chose raw production, emotional chaos, and above all else, experimentation over commercial appeal.

As El-P put it:

“...wanted it to be the most f*cked up sounding shit that made you feel the most hip-hop ever you know and and you know we wanted it to feel the like the purest hip-hop...” 

The music he crafted was at once dystopian, metallic, and hauntingly beautiful.

From the devastating boom-bap of Cannibal Ox and the dense, poetic lyricism of Aesop Rock, to the soul-infused beats of RJD2.

Def Jux was less a record label and more of an autonomous collective for creators.

They rejected commercial compromise, shunned materialistic themes, and narrated the world on their own terms.

But the experiment was short-lived. A combination of factors—El-P's burnout, the shifting landscape of digital distribution, and the tragic death of Camu Tao—led to its end.

In 2010, Def Jux officially went on hiatus, and El-P moved on to his next chapter: Run The Jewels.

Def Jux may be gone, but its spirit endures.

To place the artist at the heart of their work. To make expression and experimentation the ultimate measures of value. And above all, to relentlessly push your own unique voice against the grain of the mainstream.

This episode of Drift Mode traces a lineage beyond just Def Jux. We’ll start with its predecessor, Company Flow, touch on groups like Sonic Sum that shook the critical landscape, and follow the path Def Jux blazed to the sounds of Run The Jewels, billy woods, and Death Grips.

And to close, we'll leave you with a track that pushes this experimental spirit to its absolute extreme. We'll conclude this story in the most fittingly independent and experimental way possible: with "recks on" by Autechre—a sound that reaches the farthest fringes of what hip-hop can be, and perhaps even ventures beyond.

This is a story not of a single label, but of a lineage defined by the most defiant spirit of experimentation and independence in hip-hop.

"Independent as f*ck."
Uncompromisingly themselves, until the very end.

2025.07.18 FRI 20:00 (금요일 오후 8시)

Drift Mode : 
Jungle is Still Massive
– 정글은 아직 끝나지 않았다

“정글은 그냥 차원이 달라. 그 무수한 부분들을 전부 합친 것, 그 이상이야. 이건 도시의 생명선이자, 하나의 태도, 삶의 방식, 

그리고 하나의 민족 그 자체라고.”
                                                                                               Two Fingas, James T Kirk 의 책 ‘정글리스트’ [1995] 중 발쵀

우리는 음악을 단지 소리나 취향의 정서만으로 듣지 않습니다. 특정한 시기, 특정한 장소에서 태어난 음악은 그 시대의 감각과 태도, 기술과 공동체의 구조를 함께 품고 있습니다. 그래서 장르는 하나의 고정된 틀이 아니라, 매 시대의 청취자가 구성해 온 감각의 문법이기도 합니다.

정글(Jungle)은 바로 그런 음악의 언어입니다.

1980년대 후반, 대처리즘이 만들어낸 사회적 해체 속에서 런던의 청년들은 제도 밖에서 스스로의 리듬을 발명했습니다. 해적 라디오의 불법 전파, 어둠 속 창고에서 벌어지던 레이브, 그리고 불완전한 기술이 만들어낸 급진적인 사운드, 정글은 그 모든 것을 통과하며, 하나의 장르를 넘어선 ‘현상’으로 자리 잡습니다.

이 음악은 자메이카 사운드 시스템의 저역, 힙합의 브레이크 샘플, 하드코어의 속도감이 교차하며 형성된 혼성의 리듬이었습니다.

특히 The Winstons의 ‘Amen Brother’ 에서 추출된 드럼 구간, 이른바 ‘Amen Break’는 수많은 정글 트랙의 뼈대가 되었고, Goldie는 하모나이저 장비의 예기치 않은 사용을 통해 시간을 늘리고 리듬을 재조합하는 ‘타임 스트레칭’ 기법을 개척합니다.

이러한 기술적 실험은 결국, 컴퓨터와 샘플러만으로 음악을 만들던 ‘침실 정글리스트’ 세대의 등장을 가능하게 했습니다

1994년, Goldie, Kemistry, Storm은 레이블 Metalheadz를 설립합니다. Metalheadz는 단지 음반사가 아니라, 공동체이자 실험의 장이자, 예술적 태도의 집약체였습니다.

음악은 그 안에서 공유되고 시험되며, Sunday Sessions at Blue Note는 그 정신이 구현되는 구체적 현장이었습니다.

단 하나뿐인 덥플레이트는 클럽에서 곡을 실험하는 살아 있는 형식이었고, Music House는 DJ와 프로듀서들이 곡을 다듬고 리듬을 조율하는 사적이자 사회적인 플랫폼이었습니다. 비트는 그 안에서 날카로워졌고, 리듬은 공동의 감각으로 다듬어졌습니다.

정글은 이후 드럼 앤 베이스(D&B)라는 더 넓은 스펙트럼 속에서 테크스텝, 리퀴드 펑크, 점프업 등 다양한 하위 장르로 분화해 갔지만, 그 중심에는 언제나 공동체, 기술, 태도라는 세 가지가 놓여 있었습니다.

이번 Drift Mode는 , 그 리듬의 계보를 다시 청취하는 시간입니다. 늘 그래왔듯 Tilt는 과거를 재현하지 않습니다. 오히려 묻습니다.

그 리듬은 지금, 우리 안에서 어떻게 울리고 있는가?

정글은 과거가 아닙니다. 
그것은 여전히 거칠고 섬세하게, 
이 시간의 구조를 흔들고 있습니다.

Jungle is still massive.

그리고 그 울림은, 지금 이 순간에도 청취의 방식으로 우리를 다시 흔들고 있습니다.


1. The Winstons – Amen Brother [1969]
2. Foul Play – Finest Illusion (Legal Mix) [1993]
3. Goldie – Kemistry [1995]
4. Total Science – Silent Reign [2000]
5. Doc Scott – Drumz ’95 (Nasty Habits Remix) [1995]
6. Ed Rush & Optical – Fixation [1998]
7. Squarepusher – Rustic Raver [1997]
8. µ-Ziq – Brace Yourself Jason [1997]
9. Forest Drive West – Set Free [2018]
10. Lee Gamble – Ghost [2012]
11. Rian Treanor – Mirror Instant [2019]
12. Yak – Rhodes Island [2023]

"Jungle is just something else. More than the sum of its myriad parts. It is the lifeblood of the city, an attitude, a way of life, a people."

Two Fingas, James T Kirk 'Junglist' [1995] 

We don't listen to music merely for its sound or as an expression of personal taste. Music born in a specific time and place embodies the sensibilities, attitudes, technology, and communal structures of its era. A genre, then, is not a rigid framework but a grammar of sensibility—one constructed by the listeners of each generation.

Jungle is precisely this kind of musical language.

In the late 1980s, amidst the social fragmentation of Thatcherism, the youth of London forged their own rhythms outside the establishment. Through the illegal airwaves of pirate radio, raves in dark warehouses, and a radical sound born from imperfect technology, Jungle emerged—not just as a genre, but as a cultural phenomenon.

It was a hybrid rhythm, forged at the intersection of the deep bass of Jamaican sound systems, the breakbeat samples of hip-hop, and the frenetic pace of hardcore.

The drum solo from The Winstons’ “Amen, Brother”—the now-legendary “Amen Break”—became the backbone for countless Jungle tracks. Meanwhile, Goldie pioneered the “time-stretching” technique, manipulating a harmonizer in unexpected ways to extend time and reassemble rhythms.

This technical experimentation ultimately paved the way for the rise of the “bedroom junglist”—a new generation of producers who could create music using little more than a computer and a sampler.

In 1994, Goldie, Kemistry, and Storm founded the label Metalheadz. Metalheadz wasn't just a record label; it was a community, a laboratory for experimentation, and the embodiment of an artistic ethos.

Within this space, music was shared and tested, and the Sunday Sessions at the Blue Note club became the physical manifestation of this spirit. One-of-a-kind dubplates were a living medium for road-testing tracks in the club, while places like Music House served as both private and social platforms where DJs and producers could refine their tracks and sync their rhythms. Here, beats were sharpened, and rhythms were honed into a collective sensibility.

While Jungle would later splinter into a wider spectrum of subgenres under the Drum & Bass (D&B) umbrella—like techstep, liquid funk, and jump-up—its core always remained a triad of community, technology, and attitude.

This edition of Drift Mode is a journey back into that rhythmic lineage. As always, Tilt isn't here to replicate the past. Instead, we ask:

How does that rhythm resonate within us today?

Jungle is not a relic of the past.
It continues to pulse, both raw and refined,
shaking the very structure of our time.

Jungle is still massive.

2025.07.17 THU 8PM 

Radio Endless: 

As Praias Desertas

— 텅 빈 해변들은 여전히…

끝내 도착한 그곳은,

누구의 것도 아닌 해변이었습니다.

누구도 머물지 않고,

누구도 묻지 않는 그 조용한 풍경 속에서,

우리는 말없이 서로를 마주 봅니다.

“텅 빈 해변들은 여전히

우리 둘을 기다리고 있어요.”

노랫말은 속삭이듯 다가옵니다.

바깥의 바람, 아무도 들어가지 않는 덤불,

그 침묵 속에서 풍경은 우리에게 묻습니다.

더는, 모른 척할 수 있느냐고.

“이곳의 공간감, 음악을 통해 장면이 그려졌으면 좋겠습니다. 여러 곡들을 거쳐 결국 인적 드문 해변에 도착하는 여정. 리우데자네이루를 직접 가보진 않았기에, 각자의 해변을 상상할 수 있으면 좋겠습니다.”

— Curated by Guest Listener, 이원석

Tilt의 문을 처음 열던 날부터 조용히, 그리고 꾸준히 이 공간과 함께해 주신 한 분이 계십니다. 음악을 진심으로 사랑하는 청취자, 이원석 님입니다.

매주 수요일과 목요일에 진행되는 Tilt의 청취 프로그램 Radio Endless의 큐레이션을 처음 부탁드렸을 때, 그는 조심스럽게 고개를 저으셨습니다.

하지만 이내,

한 곡 한 곡을 정성스럽게 고르고,

자신만의 감각으로 조용히,

그리고 놀랍도록 아름다운 여정을 완성해주셨습니다.

그의 큐레이션은 하나의 이야기입니다.

음악이 공간을 만들고, 장면을 불러오며,

결국 우리를 아직 가보지 않은 해변으로 데려갑니다.

누군가가 귀하게 모아 건넨 음악을

천천히 듣는다는 것은,

정성스레 차려낸 음식을 대접받는 일과도 같습니다.

그리고 그런 음악 앞에서는,

듣는 일 또한 하나의 예의가 됩니다.

이 여정이 여러분의 마음속 풍경을 불러오기를.

그리고 그 풍경의 끝에서,

고요하고 깊은 감정을 마주하시기를 바랍니다.

각자의, 텅 빈 해변들에서.

1. John Scofield - I Loves You Porgy [2011]
2. Hania Rani - Buka [2020]
3. Jóhann Jóhannsson - Two is Apocryphal [2022]
4. Stephan Micus - Narration Two [2004]
5. Meredith Monk - Early Morning Melody [1990]
6. Carla Bley - More Brahms [1987]
7. Ralph Towner - Always By Your Side [2006]
8. Shinya Fukumori Trio - Spectacular [2018]
9. Fred Hersch - And so It Goes [2017]
10. Tom Harrell - Apple House [2017]
11. Brad Mehldau & Mark Guiliana - London Gloaming [2014]
12. Ólafur Arnalds - improvisation [2025]
13. Max Richter - The Blue Notebooks [2004]
14. Suso Saiz - They Don't Love Each Other [2017]
15. Morelenbaum²/Sakamoto - As Praias Desertas [2001]

The place we finally reached
was a beach that belonged to no one.

In that quiet landscape where no one lingered,
and no one asked a thing,
we faced each other in silence.

“The empty beaches are still
waiting for the two of us.”

The lyrics drift in like a whisper.
The wind outside, the untouched thicket—
in that silence, the landscape asks us:

Can we feign ignorance any longer?

“I hope the music evokes a sense of space, painting a scene for the listener. A journey through several songs that ultimately leads to a secluded beach. I've never been to Rio de Janeiro myself, so I hope this allows everyone to picture a beach of their own.”

— Curated by Guest Listener, Lee Won-seok

There is one person who has been with us, quietly and consistently, since the day TILT first opened its doors. A listener who truly loves music: Lee Won-seok.

When we first asked him to curate Radio Endless, he cautiously declined.

But soon after,
he meticulously selected each and every song,
quietly crafting, with his own sensibility,
a surprisingly beautiful journey.

His curation is a story.

The music creates a space, evokes a scene, and ultimately, takes us to a beach we've never visited before.

To listen slowly to music that someone has preciously collected and offered is like being served a thoughtfully prepared meal.

And in the presence of such music, the act of listening itself becomes a form of respect.

May this journey evoke a landscape within your own mind.

And at the edge of that landscape, may you encounter a quiet and profound emotion.

On your own, empty beaches.